The International Village Shop – live!

Ein Theaterstück, eine Revue, eine Aneignung

Samstag, den 14. Dezember 2019

Künstlerin Antje Schiffers und die aus Los Angeles stammende Choreografin Sommer Ulrickson haben mit über dreissig Mitspielern aus der Lüneburger Heide und internationalen Gästen ein abendfüllendes Stück mit Musik, rennenden Bäumen, Gedicht, Werbeblock, Balanceakten, Laufsteg, stillen Tischzenen und Gesang entwickelt. Das Publikum wird von Station zu Station durch die Ausstellungsräume geleitet, ein Teil der Kulissen macht sich mit auf den Weg und im Anschluss gibt es Kartoffelsalat und Würstchen an der Bar.

Im Mittelpunkt dieses übermütigen Spiels mit Nacherzählung und Fiktion, Klischee und Bruch stehen die Waren des „International Village Shop“. Seit zwei Jahren betreibt Antje Schiffers mit der Künstlerinnengrupe Myvillages im Eingangsbereich des Kunstvereins den „Internationalen Dorfladen“. Hier gibt es Produkte, die eigens mit verschiedenen Dorfgemeinschaften erfunden und produziert wurden: Froschbutterlöffel aus Oberfranken, Fufu-Schalen aus Ghana, andalusisches Geschirr, Kartoffelschlafsäcke aus der Heide, Waren aus China, Nordirland und anderswo.

Geht es um dörfliche und ländliche Produkte, stehen fast durchweg Bilder und Erzählungen des Lokalen, Authentischen und Beständigen im Fokus. Was aber soll das sein? Ist das etwas so Eindeutiges? Ist das Dörfliche wirklich keinem Wandel unterworfen? Wenn nicht, wie macht man es als Mehrdeutiges oder Widersprüchliches erzählbar? Die Ermächtigung des ländlichen Raums zu einer eigenen und differenzierten Erzählung von sich selbst und das Erzeugen von Aufmerksamkeit für diese Erzählung gehört zu dem, was Kultur leisten kann.

Die Inszenierung wird gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien

Balanceakte – Skulpturen und Installationen unter den Dorfeichen

Jenny Brockmann, D / Gunilla Klingberg, S / Llobet & Pons, E / Milena Naef, CH / Lisa Seebach, D / Talmon Biran architecture studio, ISR /b Johan Thurfjell, S / Müge Yilmaz, TUR/NL

bis 29. September 2019

Unter den Eichen, zwischen Kunstverein und Kirche, sorgen Skulpturen und Installationen von acht internationalen Künstlerinnen und Künstlern für ungewisse Zustände. Gravitation und Gleichgewicht, Spannung und Volumen sind klassische Parameter der Skulptur. Kunst, die sich damit befasst, wirft auch die Frage auf, welche Beziehungen der Betrachter als physisches und soziales Wesen mit seiner Umwelt eingeht. Das Verlangen nach Balance und Ausgleich ist dabei zutiefst menschlich. Mit einem »verlorenen« Gleichgewicht beschreiben wir Störungen und Krisen der Psyche, der Gesellschaft und der Natur. Dem entgegen steht die Lust am befreienden Zusammen bruch allzu wohltarierter Verhältnisse und die verlockende Annäherung an den »Point of no Return«.

Ein Ausstellungsprojekt von Kunstverein & Stiftung Springhornhof in Zusammenarbeit mit der St.-Bartholomäus-Kirchengemeinde Neuenkirchen.

RANDI NYGÅRD

Gesichte, Geschichte, Gedichte – Sicht, Schicht, Dicht

bis 15. Dezember 2019

Foto: Uli Holz

 Randi Nygårds (*1977 lebt und arbeitet in Oslo, Norwegen) künstlerische Arbeit basiert auf einer Vielzahl interdisziplinärer Quellen. Ihre Werke sind inspiriert davon, was der Anbau von Baumwolle für das Ökosystem bedeutet, wie Vögel monatelang am Himmel gleiten können, ohne auf der Erde zu landen, wie viele Vögel sterben, wenn sie in Fenster fliegen, wie Umweltverschmutzung zur Entstehung von Wolken beiträgt, die voll von organischem Leben sind und was die Wörter „Zelle“, „Kostüm“ und „Geographie“ zu verschiedenen Zeiten bedeuteten. Für ihre Collagen findet Nygård Bücher und Zeitschriften oder Bilder aus dem Internet, die sich auf solche Themen beziehen. Indem das Material von ihr geöffnet, zerschnitten, transferiert und zu dreidimensionalen Gebilden verwoben wird, lässt sich erahnen, dass auch rationale Informationen poetische und intuitive Verbindungen enthalten. In ihren Frottage-Zeichnungen legt sie dünne Papiere auf Dinge und zieht ihre mit Kohle oder Pastell verschmierten Hände über die unebenen Oberflächen. Die Zeichnungen entstehen in der Begegnung ihrer Hände mit den Strukturen des Papiers und der Objekte, sei es tausendjähriges Eis, verblasste Blumen oder gebrauchte Buchumschläge. An den Schnittstellen zwischen dem Flachen und dem Räumlichen, dem Figürlichen und dem Abstrakten, dem Wissenschaftlichen und Poetischen entsteht der Wunsch, die Welt offener und vernetzter zu sehen. 

Llobet & Pons / Bevölkerungspyramidengrillplatz

Das spanische Künstler-Duo Llobet & Pons hat gemeinsam mit Dorfbewohnern und unterstützt von einem Team von Jugendlichen aus China, Deutschland, Frankreich, Russland, Serbien und Spanien eine partizipative Außenskulptur in Behningen bei Neuenkirchen entwickelt. 
Zwischen dem Dorfgemeinschaftshaus, das vor kurzem von den Dorfbewohnern renoviert wurde, dem Feuerwehrhaus und dem Spielplatz entstand der zweiteilige „Bevölkerungspyramidengrillplatz“, dessen skulpturale Gestaltung auf statistischen Daten zur Bevölkerungsentwicklung im Heidekreis basiert. Das Anliegen der beiden Künstler war es, eine Struktur zu schaffen, die einen praktischen Nutzen hat und zum Nachdenken über die Zukunft anregt. Ein Ort zum Feiern, an dem Dorfbewohner und Kunstbesucher sich treffen, picknicken und grillen können und der im Gegensatz zur traurigen Realität der Landflucht steht.

Seit 2002 erarbeiten Jasmina Llobet (*1978, Barcelona E) und Luis Fernández Pons (*1979, Madrid E) gemeinsam Skulpturen, Objekte und Installationen für den Innen- und Außenraum. Das künstlerische Vorgehen der beiden basiert auf der Beobachtung sozialer Beziehungen und dem Dialog. Vielfach verändern Llobet & Pons Alltagsgegenstände wie Baumaterialien, Kleidungsstücke oder Sportgeräte, um diese in einer Weise nutzbar zu machen, die den Objekten eine neue Bedeutung verleiht. Zu ihren bekanntesten Werken im Öffentlichen Raum zählt „Multibasket – No one wins“, eine variantenreiche Serie von Skulpturen aus Basketballkörben, bei denen das Spiel nach neuen Regeln erfolgen muss. In Barcelona wurden 2018 mehrere Körbe zu einem Ring angeordnet, auf Kuba bewegte sich 2015 ein „Basketmobil“ auf einem langsam fahrenden Auto durch ein Wohngebiet. In der Ausstellung „The Playground Project“ 2018 in der Bundeskunsthalle Bonn, markierten Basketballkörbe die Standorte von Ankerzentren für Geflüchtete auf großen Tafeln mit den Umrissen von Spanien und Nordrhein-Westfalen. 

Der „Bevölkerungspyramidengrillplatz“ wurde durch die Leader-Region Hohe Heide, den Lüneburgischen Landschaftsverbend und die VGH-Stiftung gefördert.
Der Aufenthalt der Jugendlichen wurde in Zusammenarbeit mit den Internationalen Jugendgemeinschaftsdiensten (ijgd) organisiert und durch die Rotary Clubs Walsrode und Hannover-Leineschloss unterstützt.

Rebecca Chesney

Ausstellung vom 22. September – 16. Dezember 2018

Rebecca Chesney beobachtet allmähliche Veränderungen in unserer Umwelt und die Auswirkungen menschlicher Aktivitäten auf die Natur. Die Filme, Papierarbeiten, Fundstücke, Stoffobjekte und Soundsammlungen der britischen Künstlerin entwickeln ihre Spannung aus der Kluft zwischen unseren Vorstellungen von Natur und Natürlichkeit und natürlich ablaufenden Phänomenen.

Chesney beschäftigt sich mit tragischen Unfällen durch fehlkonstruierte Outdoorkleidung (death by denim, Harris Museum and Art Gallery, Preston 2015), widmet sich den Auswirkungen extremer Wetterphänomene (Future Kit, Montalvo Art Center, California USA 2017) oder untersucht den Einfluss des Klimas auf die Literatur der Brontë-Schwestern und wie sich das Wetter rund um deren Wohnort seither verändert hat (Hope’s Whisper, Brontë Parsonage Museum 2011/12). In ihren Installationen verbinden sich nüchterne Beobachtung mit poetischer Deutung und grotesker Übertreibung.

Während eines Atelieraufenthalts im Springhornhof hat Rebecca Chesney die landschaftliche Umgebung des Dorfes erkundet, sich in die Werke des Heimatforschers Horst Mikasch vertieft und neue Werke für die Ausstellung entwickelt, die sie zusammen mit einer Auswahl vorangegangener Projekte zeigen wird. 

Einzelausstellungen, Installationen: 2015 City Birds Atelier Sangatsu. Osaka, Japan. Part of Indefineable Cities curated by Anna Francis and Koh Yoshida / 2013 Urban Wild. Cona, Mumbai, India; Irrational Constant. Nirox Sculpture Park, South Africa / 2012 I’m blue, you’re yellow. 2 acre meadow installation in Everton Park, Liverpool; Hope’s Whisper. The Bronte Parsonage Museum, Haworth / 2011 Diligent Observation. Yorkshire Sculpture Park, West Bretton / 2007 Death Equals All Things – Omnia Mors Aequat. Bolton Museum and Art Gallery, Bolton / 2005 Nightfall. The Lowry, Salford / 2003 Wait. Prima Kunst, Stadtgalerie, Kiel, Germany

Sebastian Dannenberg

vintage

30.06 – 09.09.2018

In seiner Ausstellung „vintage“ führt der Künstler Sebastian Dannenberg erstmals sehr unterschiedliche Werke, die in den letzten fünf Jahren in unterschiedlichen Zusammenhängen entstanden sind, zusammen und bringt sie sowohl untereinander als auch mit den Ausstellungsräumen in Beziehung.

Die Auswahl reicht von gegenständlicher und abstrakter Malerei auf Leinwand, bis zu aktuellen Arbeiten, bei denen sich Metallgegenstände, Neon, unterschiedliche Bildträger und direkt auf die Wand aufgetragene Farben, in und mit den Ausstellungsräumen verschränken und diese neu ordnen.

Die vier Ausstellungsräume des Springhornhofs, die hell und klar strukturiert sind, mit Holzbalken, Stützen und Betonunterzügen jedoch sehr unterschiedlichen Charakter haben, sind ideal für diese raumbezogene und spielerische Herangehensweise des Malers Sebastian Dannenberg.

Wohl kaum ein junger Künstler aus dem norddeutschen Raum ist zurzeit so präsent wie Sebastian Dannenberg. Nach dem Studium in Karlsruhe und Bremen, erhielt der 1980 in Bottrop geborene Künstler neben zahlreichen weiteren Preisen und Stipendien 2015 den Bremer Förderpreis für Bildende Kunst, 2016 war er Stipendiat der Künstlerstätte Stuhr Heiligenrode. Arbeiten von ihm waren bisher in allen namhaften Bremer Ausstellungshäusern, im Kunstverein Lüneburg, in der Bundeskunsthalle Bonn, der Städtischen Galerie Delmenhorst, der Kunsthalle Recklinghausen und im Museum Folkwang in Essen zu sehen.

Wir danken dem Land Niedersachsen und dem Lüneburgischen Landschaftsverband für die Förderung der Ausstellung.

APM AIRCONDITION, 2018, Lack auf Wand, verzinkte Bleche, Maße variabel

roomservice, 2016, Lack auf Wand, Putz, Maße variabel, CADORO, Mainz

roomservice, 2016, Lack auf Wand, Putz, Maße variabel, CADORO, Mainz

Expedition Natur

Jasper de Beijer, Patrick Bergsma, Karin Bos, DAT (Tammo Schuringa, Claudie de Cleen, Corinne Bonsma), Simon Faithfull, Florian Göttke, Scarlett Hooft Graafland, Lynne Leegte, Jochem op ten Noort, Henk Wildschut, Marjolijn de Wit, Erik Wuthrich

14. April – 17. Juni 2018

Karin Bos, spyglass

„Expedition Natur“ zeigt Arbeiten von überwiegend niederländischen Künstlerinnen und Künstlern, die sich mit der Darstellung von Landschaften befassen und deren Arbeitsweise durch einen spezifischen Umgang mit Materialien, Proportionen, Perspektiven und Versatzstücken zu charakterisieren ist. Einige nähern sich ihrem Thema dokumentarisch, andere haben einen forschenden Ansatz oder verarbeiten Darstellungen bekannter Sujets und Situationen. Reisen durch das In- und Ausland liefern Ideen, Bilder und Geschichten. Als Entdecker, Forscher, Erzähler oder Erfinder erkunden sie das menschliche Eingreifen in die Natur; manchmal ist der Weg das Ziel.

Gefördert durch das Land Niedersachsen, die Stiftung Niedersachsen und den Lüneburgischen Landschaftsverband.

Eine Ausstellung in Kooperation mit dem Museum CODA Apeldoorn (NL), kuratiert mit Karin Bos (Amsterdam)

 

Als die Kunst aufs Dorf kam – Kunstlandschaft Springhornhof 1967 – 1978

19. November – 17. Dezember Di – So 14 – 17 Uhr
anschliessend bis 25. Februar 2018 geöffnet nach Vereinbarung.

Im Sommer 1967 luden die erfolgreichen Galeristen Ruth (1927 – 98) und Wilm (1917 – 73) Falazik zehn Bildhauer aus Schweden, Japan, Italien und Deutschland zu einem Künstlersymposion rund um den Springhornhof in Neuenkirchen in der Lüneburger Heide ein. Ein halbes Jahr zuvor hatten die beiden einen ländlichen Ableger ihrer Bochumer Galerie auf dem ehemaligen Bauernhof eröffnet.

Dass dies der erste Schritt zu einem einzigartigen Ensemble von Skulpturen im offenen Landschaftsraum sein würde, das internationale Anerkennung genießt, Inspiration für Menschen aus allen Teilen der Gesellschaft bietet und bis heute immer wieder neue künstlerische Perspektiven auf Dorf, Natur und Landschaft entwickelt, war damals nicht abzusehen.

Anhand von Fotografien, restaurierten Filmdokumenten, Kunstkritiken und den erhaltenen Modellen und Originalwerken gibt die Ausstellung einen Einblick in die lebhafte Gründungs- und Experimentierphase des Projekts „Kunst–Landschaft“.

Es war die Zeit in der Dorfbevölkerung und Kunstwelt sich neugierig aufeinander zu bewegten und Ausstellungen wie „Aktion Heidebild“ (1972), „Kunst – Dorf“ (1974), „Foto-Film-Video“ (1975) oder„Zwei Steine sind nie gleich“ (1977) das Verhältnis von Kunst, Landschaft und Öffentlichkeit hinaus immer wieder neu herausforderten.

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Zur Ausstellung erscheint eine Zeitung mit ausgewählten Kritiken und Pressereaktionen der damaligen Zeit. Redaktion: Carmen Wedemeyer.

Björn Braun

2. September – 29. Oktober 2017

Die Skulpturen, Objekte und Installationen von Björn Braun (*1979, lebt in Berlin) entstehen durch die Transformation von einfachen Dingen wie Federn, Kartoffeln, Stühlen oder Papier. Die Gestalt und die Beschaffenheit seiner Ausgangsobjekte unterzieht er Veränderungsprozessen, aus denen sich neue poetische Bedeutungen und Zusammenhänge ergeben.

Im Schnellkochtopf werden Bücher über Landschaftsmalerei so lange gekocht bis aus dem Brei Papier geschöpft werden kann, das auf Keilrahmen gezogen und dann als faserig abstraktes Landschaftsbild an die Wand gehängt wird.

Bei anderen Arbeiten bezieht Björn Braun die Aktivitäten von Tieren auf unterschiedliche Weise in künstlerische Prozesse ein. Mal werden die Tiere angelockt um ihre Spuren an Skulpturen und Installationen zu hinterlassen, mal wählt der Künstler bunte Fäden aus, die von Zebrafinken zu zarten Gespinsten weiterverarbeitet werden, oder er lässt Skulpturen aus den Abgüssen von Spechthöhlen und Maulwurfsgängen entstehen.

 

Lara Almarcegui SAND

 
Für ihre Rauminstallation im Springhornhof lässt Lara Almarcegui (*1972 in Saragossa, lebt in Rotterdam) 120 Kubikmeter Sand im Erdgeschoss des Kunstvereins aufschütten. Mit dieser fast raumhohen Installation stellt sie eine Beziehung zwischen dem historischen Ausstellungsgebäude und dem natürlichen Vorkommen des für dessen Errichtung notwendigen Rohstoffs her, der in großen Mengen unter dem Haus lagert. Zugleich lenkt sie den Blick auf Sand als eines der weltweit wichtigsten Konstruktionsmaterialien und die Verfügbarkeit dieser Ressource. 

Lara Almarcegui, die 2013 ihr Geburtsland Spanien bei der Biennale von Venedig vertreten hat und 2015 Residenzkünstlerin des Leuphana Arts Program war, hat einen erweiterten und forschenden Ansatz, der ökonomische Verhältnisse, gesetzliches Regelwerk und geologische Veränderungen einer intensiven Untersuchung unterzieht. In ihrer Ausstellung wird dies anhand von Zeichnungen, Textarbeiten, einem Film sowie der Installation „Sand“ eindrucksvoll spürbar. 

So hat die Künstlerin im Vorfeld der Schau umfassende Recherchen zu Sandvorkommen in der Region unternommen. Unter anderem konnte sie mit Wissenschaftlern des Leibniz Instituts für Angewandte Geowissenschaften Hannover Ultraschallmessungen auf dem Gelände des Kunstvereins Springhornhof durchführen, um die Bodenbeschaffenheit und die Stärke der natürlichen Sandschicht zu messen. Die Ergebnisse der Messungen hat sie für die Ausstellung in Zeichnungen umgesetzt. Darüber hinaus wurde beim Landkreis Heidekreis eine Baugenehmigung für eine tiefe Grube eingeholt, womit der Künstlerin der Zugang zur Sandschicht offiziell gesichert ist.

Die Ausstellung ist der Auftakt zum Jubiläumsprogramm des Springhornhof, der in diesem Jahr das fünfzigjährige Bestehen seiner landschaftsbezogenen Kunstprojekte feiert. 1967 wurden erstmals Bildhauer aus Japan, Schweden, Italien und Deutschland in das Heidedorf Neuenkirchen eingeladen, um vor Ort Findlinge zu bearbeiten. Seither beschäftigten sich Künstler/innen wie Gary Rieveschl, Christiane Möbus, Timm Ulrichs, HAWOLI, Micha Ullman und Tue Greenfort in ihren Skulpturen und Installationen immer wieder mit dem in der Region vorgefundenen Erdreich und Gestein.  

Ausstellung vom 02. April – 20. August 2017

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Tillmann Terbuyken TONDOS

29. Oktober – 18. Dezember / Januar & Februar 2017 TT_Neunkirchen_11_2_1

Seit dem Frühjahr hat Tillmann Terbuyken (*1978 in München, lebt in Hamburg und Amsterdam) das Atelier im ehemaligen Hühnerstall des Springhornhofs genutzt um seine Einzelausstellung vorzubereiten. Hier entstanden Malereien, Collagen, Decollagen sowie Gebautes aus unterschiedlichen Materialien. Terbuykens Objekte sind in immer wieder neuen Konstellationen und Raumsituationen einsetzbar. Ab Mitte Oktober wird er sie zu einem Gesamtgefüge aus Tafelbildern, mehr oder weniger funktionalem Mobiliar und variablen Bildräumen in die Architektur des Springhornhofs einfügen.

Michael Schmid MOMENT,

Moment,10. September – 16. Oktober 2016

In den Fotografien von Michael Schmid sind die Motive unmissverständlich.
Gegenstände seiner Darstellung sind oftmals Dinge des Alltags: eine Lampe, ein Herd, ein Gummihandschuh usw. Diese „Objekte der Erfahrung“ (Krauss) stehen isoliert im Zentrum des Bildraums, wo nichts von ihrer Präsenz ablenkt.
Eine dezidierte Konzentration auf das Wesentliche wohnt den Bildern inne, wobei ein Inneres – das sollten wir bei der Betrachtung von Fotografien niemals aus den Augen verlieren – sich hier nur auf der Oberfläche, an jenem „prominente[n] Ort einer Verständigung über die ihm vorausgesetzten medialen Bedingungen“ (Siegel), materialisiert. Auf, oder besser, in dieser dünnen Schicht verdichten sich Licht und Chemie zu einem Bild.
aus: Yvonne Bialek, „how to show“ – Versuch einer Antwort mit den Bildern von Michael Schmid, 2015.

www.schmidmichael.com

Simon Faithfull ZERO

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26. Juni – 28. August 2016
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Simon Faithfull (*1966 in Ipsden/GB) nimmt uns mit auf Expeditionen rund um den Globus, in die Tiefen der Meere und an die Grenzen der Atmosphäre. Seine Werke kreisen um Methoden der Forschung und des Experimentierens. Man kann sie als den Versuch auffassen unseren Planeten als ein skulpturales Objekt zu betrachten, dessen Extreme auszureizen und von seinen Grenzen zu berichten, aber auch den Alltag und das Weltliche zu erkunden, Räume zu verbinden und Abstände zu verkürzen.

Komma

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Stella Gilfert, Blas Isasi Gutiérrez, Dieter Kiessling, Mandy Krebs, Lucie Mercadal, Esra Oezen, Marko Schiefelbein, Corinna Schnitt, Kim Schoen, Helena Wittmann Kuratiert von Corinna Schnitt

9. April – 12. Juni 1016
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Für die Ausstellung „Komma“ hat die Künstlerin und Braunschweiger Hochschullehrerin Corinna Schnitt Arbeiten von zehn Künstlerkollegen und ehemaligen Studierenden ausgesucht, die sich mit Phänomenen des alltäglichen Lebens auseinander setzen. Gezeigt werden Videos, Fotografien und Skulpturen, die Visionen von Lebensentwürfen, Beobachtungen des Alltäglichen als auch Erinnerungen an Vergangenes aufgreifen.

Aus der lockeren Zuordnung der Arbeiten entstehen Bezüge, die es dem Betrachter ermöglichen, einen neuen Blick auf die eigene Lebenswirklichkeit zu werfen. Wie sieht die Welt aus, die uns umgibt? Wie wünschen wir uns die Zukunft? Wie ist unser gegenwärtiges Erleben geprägt von Hoffnungen und Wünsche an die Zukunft?

Der Ausstellungstitel „Komma“ ist der Grammatik entlehnt. Das Komma dient der Verständlichkeit, der Strukturierung eines Satzes und kann wesentlich seine inhaltliche Bedeutung bestimmen. Es gibt einen Rhythmus und die Sprachmelodie vor. So sind es in der Ausstellung „Komma“ eher die medialen Verschiebungen, Lücken und Fehlstellen, die die Bedeutungen des Gezeigten herstellen.
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Corinna Schnitt (*1964) ist mit Videoinstallationen und Filmen bekannt geworden, die in knappen, präzise beobachteten Inszenierungen die Absurditäten gesellschaftlicher Beziehungen und deren medialer Repräsentation aufscheinen lassen. Sie ist Künstlerin, Hochschullehrerin an der HbK Braunschweig und Kuratorin.

Der von ihr 1997 in Köln gegründete „schnittraum“, dessen Ausstellungsprogramm sie mit einem wechselnden Kuratorenteam realisierte, stellte aktuelle Film- und Videoarbeiten vor, veranstaltete mehrwöchige Projektreihe mit Vorträgen, Performances und Filmvorführungen und stand Künstlerinnen und Künstlern als Gastatelier zur Verfügung.

 

 

 

Tue Greenfort – zwischen Stein und einer harten Sache

12.09 – 08.11.2015

Ausstellung von Tue Greenfort

Anlässlich der Einweihung des neuen Landschaftskunstwerks “Vitalismus Mechanismus” von Tue Greenfort zeigt der Kunstverein eine Auswahl von Arbeiten aus den Jahren 2001 bis 2015.

In seinem Werk beschäftigt sich der dänische Künstler seit jeher kritisch mit unserer Wahrnehmung von Natur und mit Themen wie Ökologie und dem Umgang mit Ressourcen. In den ästhetisch oft schlichten, formklaren Kunstwerken finden sich immer wieder komplexe Zusammenhänge, die auf ausführlichen Recherchen zu einem konkreten Ort, einer bestimmten Materie, einem realen Zustand beruhen.

„Erst indem wir den abstrakten, umstrittenen, mittlerweile so vertrauten Begriff ,Umwelt‘ neu denken, lässt sich vielleicht ein fundamentaler Paradigmenwechsel vollziehen. Gerade die Aushöhlung und fehlende kritische Tiefe des Begriffs ermöglichen eine Neuformulierung der Problematik.“ (Greenfort)

Ausstellungsinfo.Greenfort

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Blaffert & Wamhof

INSIDE Hohne Garrison

bis 31. Januar ist die Ausstellung nach Vereinbarung geöffnet.

Hohne Station

Eröffnung am Sonntag, den 14. November um 17 Uhr

Gegenstand der fotografischen Langzeitdokumentation „INSIDE Hohne Garrison“ des Künstlerduos Nicole Blaffert & Franz Wamhof ist der Abzug der britischen Streitkräfte aus der Garnison Bergen-Hohne in der Lüneburger Heide, den die Künstler im Sommer 2015 beobachtend begleitet haben. Im Zentrum der Arbeit von Blaffert & Wamhof stehen die Themen Landschaft,
Architektur und Menschen. Dabei interessiert sie weniger der militärische Aspekt, als vielmehr die Spuren des Alltagslebens innerhalb einer nach außen geschlossenen Community in einer Zeit des Übergangs. Außenstehenden gewähren die Fotos der verlassenen Gebäude und des Truppenübungsgeländes Einblick in eine Welt, die ihnen jahrzehntelang verschlossen war. Die Garnison und der NATO Truppenübungsplatz befinden sich in unmittelbarer Nähe des ehemaligen Konzentrationslagers Bergen-Belsen. Teile des britischen Hohne-Camps, das ursprünglich eine Wehrmachtskaserne war, wurden nach der Befreiung des KZ Bergen-Belsen als Unterkünfte und Krankenhaus für die Überlebenden genutzt (DP Camp). Ein Teil der Gebäude dient aktuell als Flüchtlingsnotquartier. Diese zusätzlichen Dimensionen der Überlagerung und Verdichtung von Geschichte ermöglicht eine weitere, differenzierte künstlerische Auseinandersetzung mit dem vertrauten Thema.

Im Anschluss an die Ausstellung erscheint ein Katalog, der von der Gedenkstätte Bergen Belsen herausgegeben wird. Eine Auswahl der Fotografien wird ab dem 27.01.2016 in der Gedenkstätte gezeigt.

Wir danken dem Land Niedersachsen und der Stiftung Niedersachsen für die großzügige Förderung des Projekts.

HAWOLI foto arbeiten

Zeitspuren Jura I 2003

Zeitspuren Jura I 2003

19. September – 08. November

Anlässlich des 80. Geburtstags von HAWOLI zeigt der Kunstverein Springhornhof fotografische Arbeiten des Bildhauers, der in Bleckede geboren wurde und seit 1973 in Neuenkirchen in der Lüneburger Heide lebt und arbeitet.

Das Verhältnis von Natur und Kultur ist das Grundthema seines Werkes. In seinen Skulpturen konfrontiert HAWOLI das Rohe unbearbeiteter Steine mit dem Künstlichen bearbeiteten Stahls. Weniger bekannt ist, dass er parallel zur Bildhauerei stets auch mit dem Medium Fotografie experimentiert hat. In der Dunkelkammer reproduziert er eigene Fotografien, meist handelt es sich dabei um Aufnahmen aus Steinbrüchen, auf Büttenpapier oder Steinflächen. Licht und Schatten des fotografischen Abbilds, der Pinselstrich beim Auftrag der Emulgatorflüssigkeit und die natürlichen Strukturen des Steins gehen eine spannungsreiche Symbiose ein.
Mit zahlreichen Ausstellungen und Installationen im Öffentlichen Raum zählt HAWOLI zu den überregional bedeutendsten kulturellen Vertretern der Region. Seit 1967 nahm er an zahlreichen Ausstellungen, z.B. im Duisburger Lehmbruck-Museum (1969), im Kunstverein Hannover (1977) und im Berliner Haus am Waldsee (1993/94) teil. Die Kunsthalle Mannheim (1993), die Städtische Galerie im Buntentor Bremen (1994) und das Kulturforum Lüneburg (2005) widmeten ihm größere Einzelausstellungen. Mit Arbeiten für den Öffentlichen Raum hat er die Städte Bremen, Hannover und Lüneburg geprägt. Seine Schwester Ruth Falazik (1927 – 98) hat er bei der Gründung des Neuenkirchener „Projekts Kunst-Landschaft“ und des Kunstvereins Springhornhof unterstützt und begleitet.

Zur Ausstellung erscheinen ein Katalog und eine Edition des Künstlers.

Bis 10. Oktober: Ausstellung HAWOLI werk zeugen im Kunstverein Rotenburg/W., Nödenstraße 9, Sa 15 – 17/ So 11- 13 & 15 – 17 Uhr.

Gabriela Albergaría

 Ausstellung

»L’espace est une impasse où son temps s’abolit.« / »Der Raum ist eine Sackgasse, in der die Zeit abgeschafft ist.« (Jean Prevert)
18. April – 14. Juni 2015

Einladung Eröffnung (pdf)

Aussenskulptur D28

Das Projekt Kunst-Landschaft wird in diesem Frühjahr um die Bodenskulptur D28 von Gabriela Albergaria erweitert. Mit ihrer behutsam in die Landschaft eingefügten Bodenskulptur begibt sich die Künstlerin auf die Spur der mit erheblichem maschinellen Aufwand erfolgten Aufforstungen der Lüneburger Heide am Ende des 19. Jahrhunderts.

Aus diesem Anlass zeigt der Kunstverein Springhornhof eine Einzelausstellung mit Zeichnungen, Collagen und Installationen der portugiesischen Künstlerin.

Gärten und Landschaften als kulturell geschaffene, hierarchisierte, gezüchtete, transportierte und geplante Gebilde sind das wichtigste Material von Albergarias Arbeit. Durch die Kombination von Zeichnungen, Objekten und Fotografien hat sie ein Verfahren entwickelt, mit dem sie Pflanzen, bzw. Gärten und Parks seziert, neu zusammensetzt und fiktionalisiert.

Häufig nutzt sie Methoden, die an die alte Technik des Pfropfens angelehnt sind, um gefällte Bäume in neue skulpturale Form zu bringen. Sie legt Wurzelgeflechte frei, beobachtet absterbende Teile und verbindet künstlerische Mittel mit den Methoden der Botanik oder Landwirtschaft: Transplantation, Klassifizierung, Beschnitt etc.

Das Aussenobjekt von Gabriela Albergaria ist ein Projekt von ELAN european landart network.

Gabriela Albergaria (*1965 Vale de Cambra, Portugal. Lebt in New York, USA) hat Kunst an der Universität in Porto studiert und war artist-in-residence am Künstlerhaus Bethanien, an der Cité International des Arts Paris und im Botanischen Garten der Oxford University. Seit 1990 hat sie an zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen teilgenommen. Ihre Projekte und Installationen waren unter anderem in Sao Paulo (Brasilien), der Villa Arson in Nizza, der Kunsthalle Emden, der Vancouver Art Gallery und der Biennale Montevideo zu sehen.

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Dokumentation Waldschutzhütte

Marjetica Potrč und die Klasse Design der Lebenswelten der HfbK Hamburg (Finn Brüggemann, Maria Christou, Fabian Dehi, Bernhard Niklaas Karger, Maja Leo, Johanna Padge, Till Richter, Amalia Ruiz-Larrea, Nuriye Tohermes) in Zusammenarbeit mit der Klasse 6a der GOBS Neuenkirchen und ihrer Lehrerin Lena Kohrsmeier

Begleitausstellung zum Projekt „Offenland – Kunst und Umweltbildung“

18.10. – 21.12.2014

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Die Neuenkirchener Schule bewirtschaftet seit März 2013 ein in der Nähe des Dorfes gelegenes Waldstück. Am Rande dieses Waldstücks haben die Klasse 6a der und ihre Lehrerin Lena Kohrsmeier im Frühjahr damit begonnen, gemeinsam mit der Künstlerin Marjetica Potrč und einem Team von Studierenden der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg eine „Waldschutzhütte“ zu planen, die ein Ausgangspunkt für die Erforschung und Erfahrung des Waldes sein soll.

Am Beispiel von Behausungen der Tiere des Waldes wurde erkundet, was ein schützender Ort im Wald erfordert und wie er aussehen könnte. Es wurden Ideen gesammelt, Träume und Wünsche geäussert, Erfindungen gemacht, gezeichnet und Modelle gebaut. Die möglichen Ausmasse einer Architektur zwischen Bäumen, die als Unterstand, Lagerraum, Rückzugsort, Treffpunkt und offenes Klassenzimmer genutzt werden kann, wurde mit provisorischen Lattenkonstruktionen erprobt.

Mit der Präsentation im Kunstverein Springhornhof soll das Projekt der Öffentlichkeit vorgestellt und weitere Anregungen und Ideen gesammelt werden, bevor ein konkreter Entwurf entsteht. Nächste Schritte sind die Umsetzung des Entwurfs in eine genehmigungsfähige Bauzeichnung und die Errichtung der „Waldschutzhütte“ durch Schüler, Studenten und Handwerker aus der Region.

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Rebecca Partridge – Notations

18 Oktober – 21 Dezember 2014
06. – 25. Januar 2015 geöffnet nach Vereinbarung
25. Januar, 15 Uhr: Vortrag von Rebecca Partridge & Katalogvorstellung

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NOTATIONS, die erste Einzelausstellung der britischen Künstlerin Rebecca Partridge (*1976) in Deutschland, ist eine Anordnung von Gemälden, einem Film und Keramikobjekten von Rebecca Partridge, die unsere Beziehung von “Innen und Außen” erkundet.

Ausgehend von ihren eigenen synästhetischen Erfahrungen, einem Sinnesvorgang den jeder mehr oder weniger intensiv erlebt, untersucht die Künstlerin grundlegende Wahrnehmungsprozesse. Ihre Werke treten in Beziehungen miteinander und stellen “kreuz und quer” Verbindungen her. Sie beschäftigen sich sowohl mit dem Körper und mit Landschaft, als auch mit unserer inneren subjektiven Welt und der äußeren Umgebung.

Der Ausstellungstitel NOTATIONS bezieht sich nicht nur auf ein von John Cage 1969 herausgegebenes Buch grafischer Partituren, die die Sprachen von Klang und visueller Form miteinander verbinden, sondern auch auf den Begriff der Beobachtung, die unscharfen Randbereiche subjektiver Erfahrung und den Versuch der objektiven Aufzeichnung.

Partridges minimalistische Seestücke und komplexe Baumstrukturen bewegen sich weg vom Erzählerischen hin zu einer unmittelbaren Auffassung von Räumen als Orten sinnlicher Erfahrung. Zugleich abstrakt und realistisch, werden die Bilder zu Spiegeln des Inneren und entwickeln einen Rhythmus, der sich als Resonanzen innerhalb einzelner Werkserien fortsetzt. Die mit aufmerksamer Sorgfalt ausgeführten Kunstwerke werden zu einem Ort der Übersetzung von innerer und äußerer Erfahrung.

Zum Ende der Ausstellung erscheint ein Katalog mit einem Gespräch von Jan Verwoert mit der Künstlerin.

Rebecca Partridge wurde 1976 in Großbritannien geboren und lebt und arbeitet in Berlin. Seit ihrem Abschluss an der Royal Academy of Arts, London 2007 hat sie international ausgestellt. Jüngste Einzelausstellungen u.a.: ‘As Above, So Below’(Art First Projects, London) und ‘In The Daytime’ (Kunsthalle CCA, Andratx) sowie zahlreiche Gruppenausstellungen z.B. ‘A Planetary Order’ (Galerie Christian Ehrentraut, Berlin).

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Rebecca Partridge
Notations
18 October – 21 December 2014

Notations is a collection of paintings, film and ceramic sculpture which form a constellation of works exploring our relationship between ‘inside and outside’.

Reflecting the artist’s experience of synaesthesia, which on some level we all have, the works explore our basic perceptual experiences as they enter into relationship with each other creating ‘cross overs and correlations’. The works deal both with the body and with landscape, our inner subjective world and our external environment.

‘Notations’ then, refers not only to John Cage’s book of graphic scores which crosses over the languages of sound and visual form, but also to the notion of observation, the blurred boundary of subjective experience and attempts at objective recording.

Partridge’s minimal seascapes and complex tree structures steer away from narrative towards a direct experience of spaces as sites of sensory experience. Simultaneously abstract and realistic, the works often have an internal sense of mirroring, as well as a rhythm which continues amongst the works in series and as wider constellations. These basic resonances and mimetic relationships are at the heart of the practice, raising questions as to where these connections arise. Described with an attitude of careful attention, the art works become a point of translation between our experience of inner and outer.

Notations is Rebecca Partridge’s first solo exhibition in Germany.

The exhibition will be accompanied by a catalogue with the contribution of a conversation between the artist and art crtic Jan Verwoert.

Rebecca Partridge was born in U.K, 1976 and currently lives and works in Berlin. Since graduating from the Royal Academy Schools, London in 2007 she has exhibited internationally. Recent solo exhibitions include, ‘As Above, So Below’at Art First Projects, London and ‘In The Daytime’ at Kunsthalle CCA Andratx, Spain,  as well as numerous group exhibitions ‘A Planetary Order’, Galerie Christian Ehrentraut, Berlin,  and “Reason and Emotion” which she co curated at Springhorhof in 2013.

 

Katie Paterson: Eveningness

English text see below

 Lightbulb Moonlight09. August – 28. September 2014
„Katie Paterson: Eveningness“ ist das bislang größte und anspruchsvollste Ausstellungsprojekt der Künstlerin, die die britische Zeitung The Observer 2010 als eine der „besten jungen Künstlerinnen Großbritanniens“ bezeichnet hat. Es ist ihre erste Einzelausstellung in Deutschland.

Katie Paterson nutzt für ihre Kunstprojekte hoch entwickelte Technologien und das Wissen von Experten, um die intimen, poetischen und philosophischen Beziehungen des Menschen zur Natur darzustellen. Ausgestattet mit der kindlichen Fähigkeit des Staunens und einem ausgeprägten Sinn für das Absurde, lässt uns ihr Werk das Universum neu sehen und eröffnet ein mitunter schwindelerregendes Bewusstsein für unseren Platz im Kosmos. Sie vereint einen wissenschaflich basierten Ansatz mit romantischer Sensibilität und minimalistisch „kühler“ Präsentation. Ihre Werke brechen die Distanz zwischen dem Betrachter und den entferntesten Winkeln von Zeit und Raum.

Paterson hat das Geräusch eines schmelzenden Gletschers live in den Ausstellungsraum übertragen, hat alle verloschenen Sterne kartografiert, ein Diaarchiv von der Dunkelheit in den uralten Tiefen des Universums erstellt, eine Glühbirne entwickelt, mit der sich die Erfahrung des Mondlichts simulieren lässt und ein nano-kleines Sandkorn tief in der Wüste Sahara begraben. Damit ruft sie Gefühle von Demut, Staunen und Melancholie hervor, die der romantischen Empfindung des Erhabenen nah verwandt sind. Patersons Werke sind zugleich sparsam in der Geste und gewaltig in ihren Dimensionen.

Die Ausstellung wird von der portugiesischen Kuratorin Filipa Oliveira und Bettina v. Dziembowski (Springhornhof) kuratiert und ist eine Koproduktion des Kunstvereins Springhornhof mit der Mead Gallery Warwick (GB) und La Casa Encendida, Madrid (E). Anhand der unterschiedlichen Auswahl von Arbeiten an den drei Ausstellungsorten, werden sich die vielfältigen Bedeutungsebenen von Katie Paterson künstlerischer Praxis Schritt für Schritt entfalten.

„Eveningness“ im Springhornhof konzentriert sich auf Werke, die sich mit dem Mond und dem Weltraum befassen. Die Spuren und Aufzeichnungen aus dem Hier und Jetzt wecken unsere Vorstellungskraft von weit entfernten Zeiten und unergründlichen Orten.

Die Ausstellung wird durch die Förderung durch das Land Niedersachsen und die Stiftung Niedersachsen ermöglicht.

Katie Paterson wurde 1981 in Glasgow geboren und lebt und arbeitet in Berlin. Seit ihrem Abschluss an der Slade School of Fine Art 2007 wurden ihre Werke von London bis New York, von Berlin bis Seoul, international ausgestellt und waren Teil wichtiger Ausstellungen in der Hayward Gallery und Tate in London, der Wiener Kunsthalle und Sydneys MCA. Patersons Arbeiten sind in Sammlungen wie dem Guggenheim Museum New York und der National Gallery of Modern Art, Edinburgh vertreten.

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Katie Paterson: Eveningness
9 August – 28 September 2014

Katie Paterson: Eveningness is one of the largest, and most ambitious exhibition of Paterson’s work to date, named by The Observer in 2010 as one of the ‘best new artists in Britain.’ It is her first solo show in Germany.

Katie Paterson’s conceptual projects make use of sophisticated technologies and specialist expertise to stage intimate, poetic and philosophical engagements between man and the natural environment. Tempered with a childlike kind of wonder and a keen sense of the absurd, her work makes us see the universe anew and offers a sometimes giddying sense of our place within the cosmos. Combining a research-based approach, a Romantic sensibility and coolly Minimalist presentation, her work collapses the distance between the viewer and the most distant edges of time and space. In the past, Paterson has broadcast the sounds of a melting glacier live to a visitor on a mobile phone in an art gallery, mapped all the dead stars, compiled a slide archive of darkness from the ancient depths of the universe, custom-made a light bulb to simulate the experience of moonlight, and buried a nano-sized grain of sand deep within the Sahara desert. Eliciting feelings of humility, wonder and melancholy akin to the experience of the Romantic sublime, Paterson’s work is at once understated in gesture and yet monumental in scope.

Co-curated by Bettina von Dziembowski and Filipa Oliveira, this exhibition is co-produced by the Kunstverein & Stiftung SPRINGHORNHOF with Mead Gallery, Warwick, and La Casa Encendida, Madrid. The multifarious meanings that can be accorded Katie Paterson’s practice will unfold over the duration of the exhibition tour with divergent selections of the artist’s work presented at each of the three exhibition venues.

The second of these exhibitions, Eveningness, which opens on 9th of August at the Kunstverein SPRINGHORNHOF, explores the conceptual nature of Katie Paterson’s practice and simultaneously focuses on works that deal with the moon and space, examined through traces and recordings in the here and now which trigger our imagination, often linking us to distant times and far unfathomable places.

Katie Paterson was born Glasgow, 1981 and currently lives and works in Berlin. Since graduating from the Slade School of Fine Art in 2007 she has gone on to exhibit internationally, from London to New York, Berlin to Seoul, and her works have been included in major shows including the Hayward Gallery and Tate in London, Vienna’s Kunsthalle and Sydney’s MCA. Her artworks are represented in collections such as the Guggenheim New York and the Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh.

Landschaften hören / Listening Landscapes

Jens Brand, Rebecca Chesney, Ulrich Eller, Cevdet Erek, HC Gilje, Pit Noack

Oliver Blomeier & Max Eastley
Installationen im Rahmen des Musik 21 Festivals

21. Juni – 3. August 2014

In der Ausstellung „Landschaften hören Listening Landscapes“ geht es um die vielfältigen Beziehungen von akustischer und visueller Wahrnehmung von Natur und Landschaft. Auf unterschiedliche Weise operieren die eingeladenen Künstlerinnen und Künstler, darunter der documenta-Teilnehmer Cevdet Erek, innerhalb und ausserhalb der Ausstellungsräume mit dem Zusammenspiel von Klang, Raum, Zeit, Bewegung und Form. Akustische Interventionen erweitern die natürliche Klangumgebung, Naturgeräusche werden zu visuellen Zeichen, aus Bewegung entstehen hörbare Landschaften und unsichtbare Vorgänge in der Natur werden mittels Elektronik wahrnehmbar.

Höhepunkt und Erweiterung der Ausstellung ist das dreitägige Musik 21 Festival, das vom 18. – 20. Juli in und um den Kunstverein Springhornhof stattfindet.

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Eine Ausstellung im Rahmen von Musik 21 Niedersachsen
DANK

Wir danken dem Land Niedersachsen, dem Lüneburgischen Landschaftsverband, der Volksbank Lüneburger Heide eG und der Stiftung Niedersächsischer Volks- und Raiffeisenbanken für die Förderung der Ausstellung. Der Abfallwirtschaft Heidekreis und der Bundesanstalt für Geowissenschaften und Rohstoffe danken wir für die Unterstützung bei der Realisierung der Installation von Pit Noack.

 

Gilta Jansen – BROKEN IMAGES

05. April – 09. Juni 2014

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Gilta Jansens Arbeiten lassen sich als offene Systeme verstehen; deren Wahrnehmung sich stets verändert und denen man sich aus unterschiedlichen Richtungen nähern kann. Den Materialien ihrer Installationen, wie Papierbahnen, Mobiliar, Äste, Felle oder Teppiche sieht man Alltagsgeschichte an. Dinge, die unterschiedliche Assoziationen und Erinnerungen wecken, werden von Gilta Jansen zerlegt, zerschnitten, drapiert und in Bezug auf den jeweiligen Raum neu zusammengefügt. Spiegel und Folien erweitern und reflektieren die Blickwinkel. Lampen erzeugen ein Spiel von Licht und Schatten. Die jeweilige Gesamtinszenierung verknüpft unterschiedliche Erzählstränge und Einzelszenen zu einem Drehbuch, das von jedem Betrachter neu geschrieben wird.

Im Springhornhof zeigt Gilta Jansen unter anderem Installationen, Fotografien und einen Film, die in Kooperationen mit dem Künstler Gordon Castellane, der Künstlerin Joanna Schulte und der Komponistin Esmeralda Conde Ruiz entstanden sind.

zeitgleich kleiner Kunstmarkt – ausgewählte Grafik, Malerei, Objekte, Kunstbücher und Editionen zum Behalten oder Verschenken.

Wir danken unseren Förderern

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Gilta Jansen

*1979 in Neuss, lebt und arbeitet in Dannenberg / Elbe
2001 – 07 Hochschule für Bildende Künster Braunschweig

Ausstellungen (Auswahl seit 2010)

2013 Vom Hier und Jetzt, 86. Herbstausstellung niedersächsischer Künstler, Kunstverein Hannover
3. Kunstpreis des Lüneburgischen Landschaftsverbandes, Kunststätte Bossard, Jesteburg
12 Grad unter dem wahren Horizont, mit Britta Ebermann, Quartierskünstleratelier auf der Veddel, Hamburg
8 Jahre V8, mit Britta Ebermann, V8 Plattform, Karlsruhe
2012 Paula Modersohn-Becker Kunstpreis 2012, Große Kunstschau, Worpswede
heute ist morgen immer noch, feat. Esmeralda Conde Ruiz, Kunstraum Tosterglope
residence – Junge Kunst aus Niedersachsen, Syker Vorwerk – Zentrum für zeitgenössische Kunst, Syke2012 No Ideas But In Things, Raum 2, Neu Tramm
TRUE COLOR, mit Britta Ebermann, Kunstwerk Köln
Jahresausstellung Künstlergut Prösitz, Klosterkirche St. Augustin, Grimma/Leipzig
2011 Nomadische Unschärfen, mit Britta Ebermann, Temporary Gallery Cologne, Köln
2. Kunstpreis des Lüneburgischen Landschaftsverbandes, Gotische Halle Schloss Celle
CREA.RE – creative regions, Linz/Österreich, Cordoba/Spanien, Poznan/Polen
2010 Welcome Home, Westwendischer Kunstverein, Gartow

Auszeichnungen/Preise:
2013 Daniel-Frese-Preis für zeitgenössische Kunst
2013 Wohn- und Arbeitsstipendium der Stiftung Künstlerdorf Schöppingen
2011 Aufenthaltsstipendium in den Künstlerhäusern Worpswede
2011 Aufenthaltsstipendium auf dem Künstlergut Prösitz (mit Britta Ebermann)
2008/09 Wohn- und Arbeitsstipendium in der Künstlerstätte Stuhr-Heiligenrode
2006 Theodor-Kohl-Preis für Malerei, Braunschweig

KRIS FINN / Welcome to Williston – Letzte Hoffnung Ölboom

29. Oktober  – 22. Dezember

Welcome to Williston - Letzte Hoffnung ÖlboomMit seiner Fotoreportage dokumentierte Kris Finn für den VGH Fotopreis 2012 den Alltag von Wanderarbeitern und Tagelöhnern, die ohne entsprechende Ausbildung, aber getrieben vom amerikanischen Traum, in das Zentrum des Ölbooms Williston in North Dakota gereist sind. Was noch vor wenigen Jahren ein verschlafenes Kaff war, ist heute dank der Methode des Frackings das Epizentrum des größten Öl-Booms in der jüngeren US-Geschichte. Die modernen Goldsucher wollen im Ölfeld reich werden, ein neues und besseres Leben beginnen, nachdem sie in der Wirtschaftskrise alles verloren haben. Aus dem ehemaligen Traum wird in der Realität schnell ein Albtraum, denn die Jobs im Ölgeschäft sind mittlerweile rar und bezahlbare Unterkünfte nicht zu bekommen. Die Wanderarbeiter wohnen häufig viele Monate lang in Autos oder Zelten. „Die Reportage ist facettenreich fotografiert und zeigt alles – von großen Hoffnungen und Erwartungen bis hin zu Trostlosigkeit und Elend. Kris Finn ist einerseits ganz nah an den Menschen und andererseits behandelt er ein politisch hochrelevantes Thema: die Gier nach Öl“, fasst Rolf Nobel die Bewertung der Jury zusammen.

Kris Finn * 1983 in Gronau. Nach einer Ausbildung zum Industriemechaniker begann er 2006 sein Fotojournalismus Studium an der FH Hannover. 2009 machte er eine 6-monatige Hospitanz als Pressefotograf bei der Hannoverschen Allgemeinen Zeitung. Mit „Welcome to Williston“ gewann er den VGH Fotopreis 2012.

Anna Jander – IT’S SOUL

Kunstpreis des Lüneburgischen Landschaftsverbandes

19. Oktober – 22. Dezember

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„Ohne Partei zu ergreifen, macht sich Anna Jander mit ihrer Malerei zur engagierten Chronistin der zwiespältigen Dynamik urbaner Entwicklungen. Stets setzt sie dabei ihre subjektive Seherfahrung in Beziehung zum kollektiven Bildgedächtnis und der medialen Wirklichkeit. Mit der ihr eigenen Handschrift, dem Spiel mit Perspektiven, Unschärfen, Intensitäten und Unwägbarkeiten wird die Stadtlandschaft zugleich zur Seelenlandschaft – It’s Soul.“ (B. v. Dziembowski)

Vita 1967 geboren in Lüneburg
 1986 bis 1990 Studium an der Hochschule für bildende Künste Braunschweig
1997 – 2002 Lehrtätigkeiten: IFS Internationale Filmschule Köln, Animation School Hamburg, HFF Hochschule für Film und Fernsehen Konrad Wolff in Babelsberg
 lebt und arbeitet in Niederohe und Berlin.

2013

26. Oktober – 22. Dezember
Kris Finn 
WELCOME TO WILLISTON – letzte Hoffnung Ölboom

19. Oktober – 22. Dezember
Anna Jander
IT’S SOUL – Kunstpreis des Lüneburgischen Landschaftsverbandes

31. August – 13. Oktober
Asa Sonjasdotter
DIE KARTOFFEL

15. Juni – 18. August
Verstand & Gefühl – Landschaft und die zeitgenössische Romantik

6. April – 9. Juni
Markus Saile
non-travail

6. April – 9. Juni
Nadine Städler
INADVERTEDLY TOUCHED BY A LONG-DISTANCE RUNNER

Åsa Sonjasdotter – Die Kartoffel

Mit Beiträgen der Landwirte Christina und Rolf Baden aus Neuenkirchen-Brochdorf, den ehemaligen Fotograf/Innen des Instituts für Kartoffelzüchtung Groß Lüsewitz und einer untersuchenden Kartoffelzüchtung, Berlin.

Projektstart Ende April / Ausstellung vom 31. August – 13. Oktober

Seit vielen Jahren befasst sich Åsa Sonjasdotter in ihren Ausstellungen und Projekten mit dem Verhältnis von Menschen zu Pflanzen. Im Zentrum ihrer künstlerischen Praxis steht dabei immer wieder die Kartoffel als Kulturpflanze mit einer langen Geschichte, die sowohl politisch als auch sozial- und wissenschaftshistorisch hochinteressant ist. Oft arbeitet sie in ihren Langzeitprojekten mit Landwirten, Hobbygärtnern, Ökoaktivisten, Genforschern, Urban Gardening Projekten aus der ganzen Welt zusammen und bezieht sich auf die Bedingungen des jeweiligen Ortes. Ihre in unterschiedlichste Fachgebiete verzweigten Vorhaben verdeutlichen die Brisanz der Thematik und verweisen auf Veränderungen der stereotypen Zuschreibungen von städtischem und ländlichem Raum.

Im Springhornhof widmet sie sich unterschiedlichen Aspekten des Kartoffelanbaus und der Kartoffelzucht. Stets reflektiert sie dabei die Art und Weise, wie das Thema in unserem Alltag, in wissenschaftlichen Diskursen, ökonomischen Zusammenhängen, in der Werbung oder historischen Dokumenten repräsentiert wird.

In Zusammenarbeit mit den Landwirten Christina und Rolf Baden, die in Neuenkirchen-Brochdorf einen kleinen Hofladen betreiben, hat sie die Kartoffelsorten „Adretta“ und „Gala“ anbauen lassen. “Adretta” war das Ergebnis der Entwicklung einer besonders robusten Kartoffelsorte, die für die Anbau- und Erntemethoden Landwirtschaftlichen Produktionsgenossenschaften (LPG) in der DDR geeignet war. Die Sorte “Gala” wurde nach der Wiedervereinigung gezüchtet. Als das DDR Institut für Pflanzenzüchtung in Groß Lüsewitz bei Rostock nach der Wende aufgelöst wurde, gründeten ehemalige Institutsmitarbeiter zusammen mit Kartoffel-Veredlungsbetrieben der alten Bundesländer – als Gesellschafter – die Firma NORIKA GmbH. Sie führen in ihrem Betrieb das Wissen, das das Institut über Jahrzehnte aufgebaut hatte, fort.

Fotografien, Zeichnungen und Texte dokumentieren die deutsch-deutsche Geschichte der beiden Sorten, den Anbau, das Wachstum, die Ernte, aber auch den Alltag von Famile Baden. In großen Rollcontainern, die normalerweise für Supermärkte bestimmt sind, stehen“Gala“ und „Adretta“ zum Verkauf.

Im Raum daneben gewährt Åsa Sonjasdotter Einblicke in das Fotoarchiv des ehemaligen Instituts für Pflanzenzüchtung in Groß Lüsewitz. Die Fotos sind nicht nur wissenschaftliche Dokumente, sondern portraitieren auch die Institutsmitarbeiter, wobei eine interessante Spannung zwischen Ideologie und Alltagsleben entsteht. Die Notwendigkeit der Zucht robuster Sorten für eine großflächige Landwirtschaft, der wenig Chemikalien zur Verfügung standen, fügt eine aktuelle Bedeutung zu diesen Themen hinzu.

In der Textcollage „Auswahl/Erinnern“ im Obergeschoss verbindet Sonjasdotter verschiedene Erzählstränge im Zusammenhang mit der Entwicklung neuer Kartoffelsorten. Die Fakten entstammen dem Quellenmaterial, das in einer Vitrine ausgebreitet ist. Die Chronik beginnt mit der Russischen Revolution. Schauplätze sind Russland, Ungarn, Südafrika, Peru, Großbritannien oder Groß Lüsewitz. Die genetische Entwicklung des global verbreiteten Grundnahrungsmittels Kartoffel ist verknüpft mit politischer Ideologie, persönlichen Schicksalen, ökonomischen Interessen, Lizenzvergaberechten und individuellen Experimenten.

Die Installation „Eine untersuchende Kartoffelzüchtung“ setzt diese Geschichte fort. Diaserien dokumentieren drei Jahreszyklen des gleichnamigen Projekts auf einer Brache mitten in Berlin. Hier versuchen Gärtner, Künstler und Interessierte, an altes Wissen anzuknüpfen und mit einer großen Artenvielfalt von unterschiedlichen Formen, Farben, Qualitäten und Aromen zu experimentieren.

Wir danken dem Land Niedersachsen, dem Lüneburgischen Landschaftsverband und der Volksbank Lüneburger Heide für die Förderung der Ausstellung und des Begleitprogramms. 

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Ebenfalls danken wir dem Kulturhistorischen Verein Groß Lüsewitz e.V., der Universität Tromsø, dem Office for Contemporary Arts Norway, der Heidesand Raiffeisen-Warengenossenschaft eG, Norika GmbH und den Prinzessinnengärten am Moritzplatz Berlin für die freundliche Unterstützung der Ausstellung.

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Biografie

Åsa Sonjasdotter ist Professorin an der Akademie für zeitgenössische Kunst in Tromsø/N, an deren Gründung 2007 sie beteiligt war. Sie hat in Kopenhagen/DK und Trondheim/N studiert. In den neunziger Jahren war sie Gründungsmitglied von „Women Down the Pub“, einer feministischen Kunst- und Aktionsgruppe.

Ausgewählte Projekte: The Way Potatoes Go II (The Politics and Pleasures of Food, Halle 14, Leipzig, 2013); Rooting, Regional Networks, Global Concerns (Sullivan and Betty Rymer Galleries, Chicago, USA, 2013); The Way Potatoes Go (Green Acres: Artists Farming Fields, Greenhouses and Abandoned Lots, Contemporary Arts Center, Cincinnati, USA, 2012), Hungry City (Kunstraum Kreuzberg, Berlin, 2012), The Order of Potatoes (The Worldly House, dOCUMENTA (13), Kassel, 2012), The Order of Potatoes (Göteborgsbiennalen, Sweden, 2011), The Way Potatoes Go (EATLACMA, LACMA, Los Angeles, USA, 2010), Small Potatoes Make Big Noise (4th Bucharest Biennale, Romania, 2010); The Way Potatoes Go (The Gatherers: Greening Our Urban Spheres, Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, USA, 2008), Tea Pavilion (3rd Guangzhou Triennial, Guangzhou, China, 2008), Sharing the Knowledge (Konsthall C, Stockholm Sweden, 2007); Reconstructing supplies (Kunsthalle Exnergasse, Wien, Austria, 2007); Impossible India (Frankfurter Kunstverein, Germany, 2006); On Mobility (Muscarnok, Budapest, Hungary and De Appel, Amsterdam, Netherlands, 2006).

VERSTAND & GEFÜHL / Landschaft und die zeitgenössische Romantik

15. Juni – 18. August 2013

the hierarchy of relevance (snare drum)

Guy Allott (GB), Martin John Callanan (GB), Simon Faithfull (GB), Runo Lagomarsino (S/Bras), Randi Nygård (N), Munan Øvrelid (N), Rebecca Partridge (GB), Katie Paterson (GB), Benja Sachau (D), Corinna Schnitt (D), Richard T. Walker (USA/GB)

Kuratiert von Randi Nygard, Rebecca Partridge und Bettina v. Dziembowski

english version see below

Wohl kaum eine Epoche ist durch so viele Missverständnisse und Widersprüche geprägt wie die „sentimentale“ Romantik und wohl kaum eine Epoche hat unser nordeuropäisches Verhältnis zur Natur und zum Individuum so nachhaltig geprägt. Davon ausgehend setzt die Ausstellung „Verstand & Gefühl“ Motive und Ideenwelten der Romantik in Bezug zu den Arbeiten von elf zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern.
Charakteristisch für die Romantik des 19. Jhdts. ist die Verlagerung des Interesses vom Verstand zum Gefühl, von der Berechnung zur Intuition, von objektiver Betrachtung zur subjektiven Wahrnehmung. Ein Anliegen der Kunst war der Ausdruck des Individuums, die Vermittlung intensiver Gefühlszustände insbesondere in Beziehung mit einer tiefen metaphysischen Verbundenheit zur Natur.

Die Romantik war jedoch nicht nur paradiesisch und schön, sie umfasste auch das Subversive von Entgrenzungserlebnissen. Künstler wie Delacroix oder Goya stellten in ihren Schreckensszenarien ungezügelte Gefühle dar. Bilder ruinösen Verfalls bei Caspar David Friedrich oder William Turner erinnerten an die Macht der Natur sich die Zivilisation zurückzuerobern.

Vorherrschend jedoch, insbesondere unter den Malern, war die Darstellung unermesslich weiter unzivilisierter Landstriche, deren idealisierte Erhabenenheit die unauflösliche Beziehung des Menschen zur Natur zum Ausdruck brachten. Ehrfurcht einflössend und beängstigend zugleich wird der Betrachter damit konfrontiert, seine eigene Position im Universum zu hinterfragen: Die äussere Landschaft dient als Metapher für eine innere Erfahrung.

In den im Springhornhof gezeigten Arbeiten erscheint die Romantik nicht als sehnsuchtsvolle Wiederbelebung von Versatzstücken einer grandiosen Vergangenheit, sondern als Ansatz für eine Vielzahl von Strategien der Aneignung, Fortsetzung, Kritik und Transformation. Die heutige Romantik ist eine Metaromantik in der nicht nur Melancholie und intensive Gefühle zum Ausdruck kommen, sondern auch Distanzbewusstsein und Ironie. So spielen die beteiligten Künstlerinnen und Künstler sowohl auf die Sehnsucht nach einer märchenhaften Naturidylle an, als auch auf die Umstände dieses Eskapismus. Hinter der Sehnsucht nach der Schönheit und dem Paradies bleibt das Wissen um das Scheitern großer Utopien stets präsent.

 

REASON & EMOTION / Landscape and the contemporary Romantic

Hardly any epoch has been marked by so many misunderstandings and contradictions as the „sentimental“ Romantic era, just as hardly any epoch has so shaped our northern European relationship between nature and the indiviual. On this basis the exhibition „Reason and Emotion” explores ideas and motifs derived from Romanticism in relation to the work of eleven contemporary artists.

Characteristic of the Romanticism of the 19th Century is the shift of interest from reason to feeling, computation to intuition, objective observation to subjective perception. One aim of art at this time was the expression of the individual, the mediation of intense emotional states, particularly in relationship with a deep metaphysical connection to nature.

However, the Romantic was not only heavenly and beautiful, it also included the delineation of subversive experiences. Artists such as Delacroix and Goya presented scenarios of unbridled emotions in all their horror. Caspar David Friedrich and William Turner recalled the power of nature to regain civilisation through dark images of ruinous decay.

Predominantly, however, especially among the painters, was the presentation of immeasurably more uncivilised lands, whose idealised grandeur expressed the indissoluble relationship of man to nature. Awe-inspiring and frightening at the same time, the viewer is confronted with the question of his own position in the universe: the outer landscape serves as a metaphor for an inner experience.

In the works shown in Springhornhof the Romantic pervades, however not as a revival of a set of motifs sentimentally salvaged from a glorious past, but incorporated in a variety of strategies of appropriation, continuation, critique and transformation.

Today’s Romanticism is a Meta-Romantic showing not only melancholy and strong sensation, but also a distance, an awareness that manifests itself in ironic reflections. Thus, the participating artists play not only with the notion of romantic longing for nature-idyll, but also with the circumstances of this escapism. Behind the longing for the paradisiacal, the beautiful and fairy-tale, the abyss is just as present as the knowledge of the failure of utopias.

Nadine Städler INADVERTEDLY TOUCHED BY A LONG-DISTANCE RUNNER

o.T. (My black Nikes are the most comfortable Shoes I’ve ever had), Pigmentdruck auf Papier, 93 x 76 cm, 2012.

„Nadine Städler (*1979 in Hildesheim) beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Arbeit hauptsächlich mit den drei Arbeitsfeldern Zeichnung, Raum und Sprache. Alle drei sind ausschlaggebend für grundsätzliche Überlegungen zu konzeptuellen und philosophischen Fragestellungen. In ihren speziell für die gedoppelten Räume konzipierten Arbeiten kommen v.a. das Spielgelbild und das Projektionsbild vor. Beim projizierten Bild gilt ihr Interesse in erster Linie der Projektion an sich bzw. dem Zurückscheinen und Wiedererkennen des Projizierten. Das Lichtbild ist dabei ein Spiegelbild. Der Spiegel wird im Wortlaut der Künstlerin zum Träger der Reflexion und kann als Spekulation von Wirklichkeit, als Vervollkommnung oder Verdoppelung des sich illuminierenden Bildes gelesen werden.“ (Sabine Schaschl)

 

Biografie

*1979 in Hildesheim, lebt und arbeitet in Köln

2003-2006 Studium der Freien Kunst, Hochschule der Künste Bern (HKB), CH
2008-2010 Master of Arts in Contemporary Arts Practice, Fine Arts, HKB, CH

Einzelausstellungen (Auswahl)
2007 Sommerprojekt, Marks Blond Project Bern, CH
2011 Le Cosmonaute avec Couleur, Künstlerstätte Stuhr-Heiligenrode

Gruppenausstellungen (Auswahl)
2008 Stipendienausstellung Aeschlimann-Corti, Centre Pasquart, Biel, CH
Swiss Art Awards, Basel, CH
2009 Regionale 9, Kunsthaus Langenthal, CH
2010 Stipendienausstellung Aeschlimann-Corti, Kunsthaus Langenthal, CH
Iris, Master HKB, Kunsthalle Bern, CH
2011 Bremer Förderpreis für Bildende Kunst, Städtische Galerie Bremen
Kunstfrühling Bremen
2012 Ab in die Ecke, Städtische Galerie Delmenhorst
Residence-Junge Kunst aus Niedersachsen, Syker Vorwerk

Stipendien
2008 Hirschmann Stipendium, CH
2010 Förderpreis des Aeschlimann-Corti Stipendium, CH
Wohn- und Arbeitsstipendium, Künstlerstätte Stuhr-Heiligenrode

 

 

MARKUS SAILE non-travail

o.T., Öl auf Holz, 58 x 43 cm, 2012, Privatsammlung Köln.

Die Arbeiten von Markus Saile (*1981 in Stuttgart) erforschen den Möglichkeitsraum zwischen abstrakter und figurativer Malerei in seinen historischen und aktuellen Bedingungen. Sie reichen von dynamischen malerischen Setzungen bis hin zu fast monochromen, komplexen Überlagerungen von Farbschichten, die atmosphärische und dennoch heterogene, manchmal in sich widersprüchliche Räume erzeugen. Jedes Bild stellt eine singuläre und prozessuale Erkundung dieses Möglichkeitsraumes dar und kann als Spur dieser Erkundung aufgefasst werden.

Der Ausstellungstitel non-travail verweist auf einen kurzen Text von Marguerite Duras, in dem sie das Schreiben als eine Zustand beschreibt, der sich der Ökonomie der Arbeit und der geplanten Form verweigert, in dem es vielmehr um ein Kräfteverhältnis geht und in dem sich etwas Unvorhersehbares einzustellen vermag. Auch die künstlerische Produktion lässt sich als Utopie entwerfen, der sich der Logik der spätkapitalistischen, das Subjekt vollständig ergreifenden Arbeit entgegenstellt. Die Auseinandersetzung mit der Kunst- und insbesondere der Malereigeschichte mit all ihren Parametern wie Komposition, Form, Abstraktion oder Geste, heißt in diesem Zusammenhang, sich diese Form des Wissens zum einen anzueignen, sie zum anderen wieder loszulassen, um ein neues Terrain des Nichtwissens zu eröffnen. Malerische Setzungen sind in Markus Sailes Bildern insofern nur in ihrem Bezug aufeinander zu verstehen, als ein Kräfteverhältnis, das sich im Bildraum abspielt, das sich aber auch über diesen hinaus auf den Ausstellungsraum bezieht.

 

Biografie

*1981 in Stuttgart, lebt und arbeitet in Köln
2004–10 Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (HBK)
2010–11 Meisterschüler

Einzelausstellungen
2012 Schichtwechsel, RECEPTION, Berlin
Markus Saile, Ringstube, Mainz, Germany
2011 Cliffhanger, RECEPTION, Berlin

Gruppenausstellungen
2012 Landschaftsgänger, Parrotta Contemporary Arts, Stuttgart
2011 Jahresgaben, Kunstverein Braunschweig
Nomadische Unschärfen, Temporary Gallery, Cologne (cat.)
too much, Kunstgruppe e.V., Cologne
2010 every so often, DREI Raum für Gegenwartskunst, Cologne (cat.)
walls feel the love, Raum Kalk, Cologne
Von mir aus, Salon Schmitz, Cologne
2009 Trinken als Chance, Kunstgruppe e.V., Cologne
2008 our gift to the World, Kunstklub, Berlin
motten unter der langen weißen Wolke, A.K.A., Munich
2007 Junge Kollegen, Verein für Originalradierung, Munich (cat.)
Beyond the line, HBK Braunschweig, Germany (cat.)
Dross, Hochschulgalerie HBK Braunschweig, Germany
2005 Plattform, Kunstverein Hannover, Germany
Stipendien
2007–2011 Studienstiftung des deutschen Volkes

Eva Castringius — Back Country

9. April – 5. Juni 2011

In einer auf die Architektur des Kunstvereins bezogenen Installation, stellt Eva Castringius Malerei und Fotografie in einen ungewöhnlichen Dialog über das Thema Landschaft. Visuelles Material sind industriell geprägte Regionen im Südwesten der USA. „Ich arbeite mit reduzierten Bildelementen und setze architektonische Formen auf leuchtende Untergründe. Im Wechselspiel von Farbtransparenz und Farbdichte wird das Bild zur Projektionsfläche eines unendlichen Raumes.“

Gefördert durch das Land Niedersachsen, Consulate General of the United States of America, Mykita. Handmade in Berlin und Eidotech

Andrea Winkler — Famous Quotes by Famous People

18. Juni – 28. August

Die künstlerische Arbeitsweise von Andrea Winkler ist zwischen ortsspezifischer Installation, Objet trouvé und Skulptur angesiedelt. Mit ihren einfachen, fast beiläufig wirkenden Interventionen und verfremdeten Wiederaufführungen von Versatzstücken aus der Alltagswelt in Form von Objekten, gefundenen oder modifizierten Materialien und räumlichen Eingriffen, verwandelt sie vertraute Räume in komplexe dreidimensionale Collagen.
Für die Ausstellung im Kunstverein Springhornhof hat sie eine raumgreifende temporäre Installation aus alltäglichen Materialien wie Ink Jet Prints, Styroporplatten, Holz, Pappe, Bauschaum, Folie, Stoff, Absperrketten, Pfeiler, Magazinseiten, Papier und Acrylfarbe entwickelt, die sich direkt auf die räumliche Situation bezieht, vor Ort erarbeitet wurde und sich an einigen Stellen mit einer für die Dauer der Ausstellung angebrachten, zeichenhaften Wandmalerei verbindet.

Ähnliche Objekte tauchen in unterschiedlichen Kombinationen und Variationen in allen drei Räumen des Springhornhofs auf. Es entsteht eine szenisch angelegte Choreografie, die als präzise gesetzter Parcours durch die Räumlichkeiten auf zwei Stockwerken führt und diese zu einer in sich geschlossenen „Raum-Collage“ verknüpft.

So wird die heterogene Ausstellungssituation in den ehemaligen Ställen und Dachböden eines historischen landwirtschaftlichen Gebäudes, dessen unsprüngliche Nutzung man noch erahnt, zu einer wichtigen und Form gebender Komponente, die nicht nur eine Bühne liefert, sondern auch zum Anteil der Arbeit wird. Der Ausstellungsraum, aber auch der Betrachter werden als wesentliche „Akteure“ mit thematisiert.

Räume – auch die so genannten „White Cubes“ in Museen und Kunstinstitutionen – sind strukturiert durch ihre Architektur, Objekte und Arrangements, die von einer gewissen sozialen Funktion erzählen und regeln wie wir uns darin aufhalten und benehmen. Andrea Winkler interessiert, wie die von ihr inszenierten Objekte und Wandmalereien mit den existierenden Räumen interagieren und welche Emotionen und Gefühle sie auslösen können. Dabei geht es ihr um die physischen und psychologischen Qualitäten eines Raumes, von Materialien und Objekten.

Die einfachen Setzungen und teilweise subtilen Verfremdungen sind weniger »minimal« im traditionellen Sinne, es eröffnet sich vielmehr ein ambivalenter Assoziationsraum, der in seiner Transgressivität Momente der Erwartung, des Verlustes und Begehrens anklingen lässt.

Andrea Winkler (*1975 in Zürich) hat an der Slade School of Fine Art, London und der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg bei Wolfgang Tillmans, Cerith Wyn Evans und Gisela Bullacher studiert. Ihre Arbeiten wurden u.a. in der Kunsthalle St. Gallen, im Kunsthaus Hamburg, im Argauer Kunsthaus, bei Anthony D‘Offay, London, in der Tanya Bonakdar Gallery, NY und im Kunstverein Harburger Bahnhof gezeigt. Die Ausstellung im Kunstverein Springhornhof ist ihre erste größere Einzelausstellung.

Claudia Mucha —Landfriedensbruch

Von friedlicher Natur kann keine Rede sein. Land wird vermarktet, versiegelt oder verbaut. Die Fotografien von Claudia Mucha (*1971 in Wolfratshausen, Bayern) zeigen nicht nur die direkten Auswüchse der Wachstumsökonomie. Auch Klimawandel und steigender Energieverbrauch, die zu grundlegenden Transformationen der Landschaft führen, werden thematisiert. Daher hat sich unserer Bild von Landschaft tiefgreifend verändert. Claudia Mucha reflektiert den Blick auf die Natur in seiner ganzen Gebrochenheit.

Landfriedensbruch ist eine Straftat gegen die öffentliche Ordnung. Die erste Ordnung, die es im allgemeinen Interesse zu beachten gilt, sind jedoch die Formen der Selbstorganisation von Natur.

Gefördert durch das Land Niedersachsen, den Lüneburgischen Landschaftsverband und die Volksbank Lüneburger Heide eG.

Heinrich Riebesehl — Äcker & Häuser

3. September – 23. Oktober 2011 

Heinrich Riebesehl (*1938 in Lathen an der Ems; † 2010 in Hannover) hat die künstlerische Fotografie in Deutschland seit den 1970er Jahren maßgeblich geprägt. Als Fotograf, Dozent und Kurator trug er mit seinen, vorwiegend in Norddeutschland entstandenen, „lakonischen Fotografien einer lakonischen Gegend“ (Peter Sager) wesentlich zu einer Erneuerung der Dokumentarfotografie bei.

Die Motive seiner seit Mitte der siebziger Jahre entstandenen Serien „Agrarlandschaften,“ „Dorfansichten“ oder „Gewerbebauten“ fand er in Ortschaften wie Hodenhagen, Jeddingen oder Hanstedt. Riebesehl erweist sich darin als Entdecker einer spröden, oftmals melancholischen Schönheit des Banalen und Alltäglichen.

Für seine intensive fotografische Auseinandersetzung mit der Topografie der norddeutschen Kulturlandschaft wurde er u.a. 1982 mit dem Sprengel-Preis für Bildende Kunst der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und dem Niedersächsischen Kunstpreis 2000 ausgezeichnet. Seine Werke sind in bedeutenden europäischen und amerikanischen Museen und Privatsammlungen vertreten.


Fotografien aus der DZ BANK Kunstsammlung — Heimat

14. April – 10. Juni
Heimat
Fotografien aus der DZ BANK Kunstsammlung

Laurenz Berges / Peter Bialobrzeski / Angus Boulton / Sonja Braas / Mona Breede / Balthasar Burkhard / Heinz Cibulka / Frank Darius / Caroline Dlugos / Thomas Draschan / Jochen Gerz / Tatjana Hallbaum / Jitka Hanzlová / Carsten Höller / Axel Hütte / Barbara Klemm / Lewis Koch / Florian Merkel / Jean-Luc Moulene / Simone Nieweg / Martin Parr / Emanuel Raab / Inge Rambow / Heinrich Riebesehl / Andreas Rost / Hans-Christian Schink / Michael Schmidt / Helmut Schweizer / Annelies Štrba / Wolfgang Tillmans / Virxilio Vieitez / Edwin Zwakman

Heimat ist ein unsicheres Terrain. Längst scheint der Begriff Opfer romantischer Verklärung, nationalistischer Vereinnahmung, klischeehafter Werbebilder und provinzieller Enge geworden zu sein. Aber sind wir in Zeiten von Globalisierung und medialer Vernetzung noch auf das Gefühl der Zugehörigkeit zu einem vertrauten Ort angewiesen? Geht es nicht viel mehr um unsere innere Orientierung an Wertvorstellungen und kulturellen Wurzeln?

Die Auswahl von hochkarätigen Arbeiten aus der renommierten DZ BANK Kunstsammlung nähert sich Vorstellungen von Heimat in all ihrer Widersprüchlichkeit. Die Fotografien zeigen uns bedrohte Territorien, flüchtige Orte des Transits, Situationen des Verlustes, Kindheitserinnerungen, echte und falsche Idyllen aber auch Landschaftsbilder voller Ruhe und Weite.

Wir danken dem Land Niedersachsen, der DZ Bank, der Stiftung Niedersächsicher Volks- und Raiffeisenbanken und der Volksbank Lüneburger Heide eG für die Unterstützung der Ausstellung

Stef Heidhues — Yes Sir, No Sir

23. Juni – 5. August
Stef Heidhues
Yes Sir, No Sir

Mit Stef Heidhues (*1975) setzt der Springhornhof seine Reihe von Ausstellungen und installativen Eingriffen fort, in denen das Gebäude des Kunstvereins zum Material der künstlerischen Auseinandersetzung wird.

Der Bezug auf den jeweiligen Ort und der spielerische Umgang mit bedeutungsgeladenen Materialien ist charakteristisch für ihre Arbeiten. Statisch gewagt, mit überraschenden Wendungen und unvorhersehbaren Kombinationen stellt Heidhues allgemein anerkannte Gewissheiten über das „Normale“ in Frage. Elegante Metallbögen werden zu Abspergittern, Fahrradketten ragen als Fahnen in den Raum, ein vorhangartiges Gespinst entpuppt sich als starres Konstrukt aus Aluminium.

„Oft trifft innerhalb meiner Arbeit das Rohe auf das Sinnliche, das Künstliche auf das Natürliche, das Laute auf das Leise, das Traditionelle auf das Trashige, das Handgemachte auf das kommerziell Produzierte, und oft befinden sich diese Gegensätzlichkeiten innerhalb einer Skulptur, räumlichen Setzung oder Collage. Für mich wird es da spannend, wo Reibung und Widerspruch ist, dann wird aus dem Objekt ein Subjekt.“ (Heidhues)

Die Ausstellung wird gefördert durch das Land Niedersachsen und die Volksbank Lüneburger Heide eG.

2012

28. Oktober – 16. Dezember
The Simple Life
Angela Bulloch / Josephine Meckseper / Shana Moulton / Fabian Reimann / Simon Starling / Niko Wolf

Angela Bulloch, Gruppenausstellung "The Simple Life", 2012

11. August – 14. Oktober
Klara Hobza
Moving with Fervor into Moments of Levity
Special feature: Werner Herzog, „Die Große Ekstase des Bildschnitzers Steiner“
Katalog

23. Juni – 5. August
Stef Heidhues
Yes Sir, No Sir

14. April – 10. Juni
Heimat
Fotografien aus der DZ BANK Kunstsammlung
Laurenz Berges / Peter Bialobrzeski / Angus Boulton / Sonja Braas / Mona Breede / Balthasar Burkhard / Heinz Cibulka / Frank Darius / Caroline Dlugos / Thomas Draschan / Jochen Gerz / Tatjana Hallbaum / Jitka Hanzlová / Carsten Höller / Axel Hütte / Barbara Klemm / Lewis Koch / Florian Merkel / Jean-Luc Moulene / Simone Nieweg / Martin Parr / Emanuel Raab / Inge Rambow / Heinrich Riebesehl / Andreas Rost / Hans-Christian Schink / Michael Schmidt / Helmut Schweizer / Annelies Štrba / Wolfgang Tillmans / Virxilio Vieitez / Edwin Zwakman
Begleitheft

Klara Hobza — Moving with Fervor into Moments of Levity

11. August – 14. Oktober

Special feature: Werner Herzog, „Die Große Ekstase des Bildschnitzers Steiner“

„Klara Hobzas Aktionen sind ebenso absurde wie visionäre Inszenierungen von Sisyphusgeschichten. Ihre selbst gestellten Aufgaben, deren erfolgreiche Verwirklichung möglich, aber nicht überaus wahrscheinlich erscheinen, werden von ihr mit Hartnäckigkeit und wilder Entschlossenheit ausgeführt, wobei der feierlich zur Schau gestellte Ernst mit Momenten schrulliger Heldenhaftigkeit aufgemischt wird. Ob nun die Repatriierung von ehemals in Amerika angesiedelten Staren nach England, ein nahezu dreißig Jahre umfassender Tauchgang durch die Gewässer Europas, der von der Künstlerin gesteuerte kommunikative Tanz der Lichtzeichen im nächtlichen New York oder ihre explizit als Auswanderung inszenierte Rückkehr von Amerika nach Europa, zu der auch die Verschiffung des gesamten Atelierbestands zum Frachthafen Newarks mit einem Floß gehörte: Hobzas Vorhaben haben oftmals mit physischem Einsatz und Bewegung – der Verschiebung von Massen, von Objekten wie auch des eigenen Körpers – zu tun. Selbst die eigene Künstlerinnenbiographie folgt den Grundsätzen von Bewegung, wenn Lebensdaten -und ereignisse einem kreativen Prozess der Revision und Fabulierung unterzogen werden.
Hobza hat ihre Ausstellung unter den Titel „Moving with Fervor into Moments of Levity“ gestellt – eine Losung, die ihre Navigationskunst zwischen verschiedenen Größenverhältnissen und Gewichtsklassen treffend beschreibt. Denn Hobzas Ziele sind hoch und wiegen zunächst schwer. Nur mit gewaltiger Anstrengung und Aufwand sind sie realisierbar – ein geradezu aberwitziger Kampf gegen die Widerstände von Naturkräften, physikalischen Gesetzen und bürokratischen Fallen, der, wenn überhaupt, nur aus dem Zusammenspiel von Fachwissen, präziser Planung, Improvisationskunst und dem Einsatz spezieller Fähigkeiten zu gewinnen ist. Dabei sind ihre Arbeiten, die vor, während oder auch auf Seitenwegen ihrer Performances entstehen – Videos, Fotografien, Objekte, Zeichnungen, Statements und Publikationen – wohl kaum von Pathosformeln bestimmte Zeugnisse von Strapazen, sondern vielmehr spielerische Erzählungen, die sich gerade in Momenten von Erschöpfung, Ungeschicklichkeit und offenkundiger Vergeblichkeit zu überraschender Leichtigkeit aufschwingen. …“

(Auszug aus dem Katalogtext „Die unglaublichen Abenteuer der Klara Hobza“ von Esther Buss)
Die Ausstellung wird gefördert durch das Land Niedersachsen und den Lüneburgischen Landschaftsverband

2010

20. November – 22. März 2011
Matthew Antezzo, 2010 / Wolf Kahlen, 1975 / Edmund Kuppel, 1975 / HAWOLI, 1975
TESTBILD – Ein Déjà Vu mit dem Neuenkirchener Symposion Foto-Film-Video 1975

07. – 17. Oktober
in der Vertretung des Landes Niedersachsen beim Bund, Berlin, myvillages.org Internationaler Dorfladen

21. August – 10. Oktober 
Ulu Braun
Fiebergärten

24. August – 10. Oktober
Lucas Wahl
Kathmandu – city of kings

Donnerstag, 9. September, 18 Uhr 
Diskussionsforum Kulturelle Bildung als Standortfaktor: Stiefkind oder Chance des ländlichen Raumes?

6. Juni bis 15. August 2010 
Dominik Bednarek / Hanna Brandes / Kalin Lindena / Alex Müller

11. April bis 24. Mai
Stefan Römer
Schlagbaum. Über die Grenzen von Natur und Kultur

2009

21. November – 20. Dezember 2009
Schnucken, Elefanten und andere Gastgeschenke
myvillages.org: Antje Schiffers (D), Kathrin Böhm (UK/D), Wapke Feenstra (NL)
Pressetext

12. Juli bis 16. August
Jeppe Hein, Ulrik Weck
Pressetext

29. August bis 15. November
Landschaft 2.0
Pressetext

16. Mai bis 5. Juli
Caroline Bayer, Dennis Feddersen, Sofia Hultén, Katrin Pieczonka
Haus kaputt — Haus heile
Pressetext

2008

8. November bis 14. Dezember
Michael Reisch
Landschaften
Pressetext

13. September bis 26. Oktober
HAWOLI, Dominik Lang, Andrea Pichl, Rafani, Tilo Schulz, Antje Schiffers und Thomas Sprenger, Katerina Šedá, Libot Stavjaník
Bewohnte Orte/Obydlená Místa • Illusionen über die Stadt und das Land.
Pressetext

22. Juni bis 07. September
Thomas Baldischwyler
5 – 6 – 7 • Eine Installation
Pressetext

12. April bis 15. Juni
Eine Auswahl von Stipendiatinnen und Stipendiaten der Künstlerstätte Schloss Bleckede • Shannon Bool, Kerim Seiler, Dani Jakob, Pauline Kraneis, Jens Wolf, Katharina Jahnke , Simon Wachsmuth, Ella Ziegler
Diskurs im Grünen
Pressetext

2007

14. Oktober bis 16. Dezember 
Malte Urbschat & Mark Wehrmann
Reinsehlen
Pressetext

14. Oktober bis 11. November
Neuland Symposium 2007 • Wettbewerbsentwürfe zum Landschaftskunstpreis

08. September bis 30. September
25 Jahre Kunstverein Springhornhof — Erinnerungen an Ausstellungen und Veranstaltungen auf dem Springhornhof
Pressetext

16. bis 29. Juni (Workshop) 30. Juni bis 26. August (Ausstellung)
Studierenden der Klasse „Environment“ an der Fakultät für Bildende Künste der TU Brno: Lucia Cernayová, Darina Hlinková, Martin Jelínek, Judita Matoušková, Hana Oplatková, Petra Ošlejšková, Zdenka Rezbová
Crosskick – dort oder dort • Ausstellung und Workshop
Pressetext

14. April bis 10. Juni
Antje Bromma, Stefan Demary, Stefan Ettlinger, Bernd Krauß, Peter Pumpler, Rindfleisch/Rapedius, Cony Theis, Heike Weber, Markus Wirthmann, Jürgen Witte, Joseph Zehrer
Worpswunder
Pressetext

2006

11. Nov. bis 17. Dez.
Inga Svala Thorsdottir
Borg 21° W 64° N
Pressetext

9. bis 10. Nov.
Neuland Symposium 2006 • Kunst und Landschaftsarchitektur als Impulsgeber in aktuellen Kulturlandschaften
Pressetext
Programm als PDF

23. Sept. bis 29. Okt.
Árni þór Árnason • Helga Björg • Gylfadóttir • Harpa Dögg Kjartansdóttir • Steinþóra Hildur Clausen • Sigurrós Svava Ólafsdóttir • Þórdis Jóhannesdóttir • Ingunn F. Ingþórsdóttir
Crosskick — Hotspo(r)t
Pressetext

29. Juli – 31. August
Jan Meyer-Rogge
Skulpturen
Pressetext

11. Juni bis 23. Juli
Joachim Grommek
Pressetext

8. April bis 5. Juni
Nandor Angstenberger, Christl Fetzer, Emanuel Geisser, Andrea Heller, Arne Klaskala, Markus Lohmann
Pepperland
Pressetext

2005

19. Nov. bis 23. Dez.  
FOKUS 3 – Künstler fotografieren die Hohe Heide
Kaucyila Brooke, Dorit Margreiter
Pressetext

24. Sept. bis 23. Okt.
HAWOLI
Modelle Ideen Konzepte
Pressetext

18. Sept. bis 13. Nov.
Wolfgang Volz
Natur wird Landschaft
Pressetext

10. Juli bis 11. Sept.
Silke Schatz
Terezín, 2005
Pressetext

3. Juni bis 3. Juli
In & Out • Eine Ausstellung in Kooperation mit der Gesamtschule Schneverdingen und der Freizeitbildungsstätte Schneverdingen
Pressetext

9. April bis 29. Mai 
suburbia • Gruppenausstellung
Susanne Luptovits, Sean Reed, Natalia Stachon, Dirk Stewen, Kerstin Stoll und Andrea Winkler
Pressetext

2004

27. Nov. bis 22. Jan.
Camoufleurs
Fernando Alvim, Willem Boshoff, Lisa Brice, Kendell Geers, William Kentridge, Mounir Fatmi, Moshekwa Langa, Michèle Magema, N’Dilo Mutima, Olu Oguibe, Tracey Rose, Minette Vári
Pressetext

3. Okt. bis 21. Nov. 
FOKUS 2 – Künstler fotografieren die Hohe Heide
Jens Haaning, Otobong Nkanga
Pressetext

27. Juni bis 5. Sept. 
Agnès Thurnauer
„don’t pretend you never heard of it“ • Malerei
Pressetext

Ausstellung (28. März – 20. Juni) und Ballonprojekt (April – August)
Tilo Schulz
sondo
Pressetext

2003

  • Nimm 2 – Kunst zum Kaufen und Sammeln • 9. Nov. bis 21. Dez.  Teilnehmer
  • OUTLOOK • Michael Asher, Michael Elmgren & Ingar Dragset, Anna Gudjónsdóttir, Stefan Kern, Job Koelewijn, Rupprecht Matthies, Peter Pommerer • Eröffnung am 6. Sept. Pressetext
  • FOKUS 1 – Künstler fotografieren die Hohe Heide • Hendrikje Kühne & Beat Klein • 10. Aug. bis 26. Okt.  Pressetext  Katalog
  • many happy returns! • Kora Jünger, Christine Lemke, Stefan Panhans und Ralph Weissleder • 21. Juni bis 3. Aug.  Pressetext
  • out.look PILOT • Michael Asher, Michael Elmgren & Ingar Dragset, Anna Gudjónsdóttir, Bethan Huws, Stefan Kern, Job Koelewijn, Rupprecht Matthies, Peter Pommerer • 31. März bis 15. Juni Pressetext

2002

  • ILAP • Jeroen Bodewits, Martin uit den Bogaard, Guy van den Bossche, Dellbrügge & De Moll, Rainer Ganahl, Peter van der Heijden, Greg Hilton, Peter Kempff, Loodwick Press Images, Aldert Mantje, Andre Mesman, Annette Palstra, Jan van der Ploeg, Steve Soreff, Thorwaldur Thorsteinsson, Roel van Timmeren, Allan Uglow, David Veldhoen, Jennifer Protas • 3. November bis 22. Dezember  Pressetext
  • Susanne Paesler • 8. September bis 20. Oktober Pressetext
  • Michaela Melián • Triangel • 14. Juli bis 1. September  Pressetext Katalog
  • Nana Petzet • Metainventur • 25. Mai bis 7. Juli Pressetext Katalog

2001

  • Land in Sicht • Kunst. Jugendliche. Projekt • 18. November bis 16. Dezember Pressetext
  • Bethan Huws • All artists are mortal — all artists make artworks • 11. November bis 16. Dezember  Pressetext 
  • Claus Bury • Ausstellung von Modellen und Fotografien anlässlich der Wiedererrichtung der Außenskulptur • 30. September bis 4. November Pressetext
  • Rainer Ganahl • lüneburger heide sprechen. Ausstellung • 26. August bis 4. November Pressetext
  • Lea Lublin • Interrogations sur l’art / Fragen über die Kunst • 27. Mai bis 12. August  Pressetext
  • Ralf Peters • M I X • Fotografien & Zeichnungen • 24. März bis 20. Mai Pressetext
  • N.N. — Sukzessives Ausstellungsprojekt mit Beiträgen von Maria Eichhorn, Silke Wagner, Dorothy Iannone, Björn Roth • 9. April — 30. Sept.  Pressetext

2000

  • Anna Gudjónsdóttir • Das tiefe Tal der Rentiere, Forellenportraits, über einhundert Steine, Eier, Vitrinenblicke, fünfunddreißig Zelte und weitere Bilder • 5. November bis 23. Dezember Pressetext
  • Gerda Hahn • Doppelportraits / Gerda Hahn in Behningen • 3. September bis 22. Oktober Pressetext
  • Gegenwartskunst für Jedermann – eine nicht unbegründete Auswahl • Druckgrafische Arbeiten in Zusammenarbeit mit der Griffelkunst Vereinigung Hamburg • 3. September bis 22. Oktober Pressetext
  • Tony Cragg • Aussenobjekt und Ausstellung im Kunstverein • Zeichnungen und Skulpturen • 28. Mai bis 27. August  Pressetext Katalog
  • Blume 2000 • Regula Dettwiler, Erik T. Øckenholt, Peter Pommerer, Brigitte Raabe, Hildur Jónsdóttir, Miron Schmückle, Ina Hattebier, Peter Rösel • 2. April – 21. Mai tl_files/images/header/Nupsi.gif Katalog Pressetext
  • Signale in der Heide • Gründungsjahre des Springhornhofs • 2. April – 21. Mai

1999

  • David Lee Thompson • Skulpturen • 6. November – 23. Dezember  Katalog
  • Huyn-Sook Song • Malerei, Filme, Zeichnungen • 11. September – 31. Oktober Katalog
  • Hans Alvesen • Aquarell auf Fotos • 18. Juli – 12. September
  • Tilman Küntzel • Licht- und Klanginstallation • 26. Juni – 5. September Katalog
  • Klaus Becker • Skulptur, Zeichnung, Fotografie • 8. Mai – 20. Juni  Katalog
  • Rolf Rose • 6. März – 2. Mai Katalog
  • Hommage à Ruth • Ausstellung mit Arbeiten von 90 Künstlern zugunsten der Stiftung Springhornhof • 5. Dezember 1998 – 31. Januar

1998

  • Rainer Tappeser • Horizont-Stücke • Graue Malerei • 24. Oktober. – 29. November Katalog
  • Beate Wassermann • Malerei • 5. September – 25. Oktober  Katalog
  • Klaus Kröger • Malerei • 19. Juli – 13. Sept. Katalog
  • Ursula Neugebauer • touren l’air • Objekte und Installationnen • 2. Mai bis 26. Juli Katalog
  • Otto Völker • Malerei • 7. März bis 26. April  Katalog

Guy Allott — Magic & Loss

29. Oktober  – 19. Dezember 2011

Für den britischen Maler Guy Allott (*1972, lebt in London) stehen seit gut zwei Jahren Bäume im Mittelpunkt seiner Arbeit. Oft sind es Wälder am Rande von Städten und Siedlungen oder auch städtische Gärten und Parks, in denen Guy Allott die Motive findet.

Während Aquarelle einzelne Bäume oder Blicke in das geheimnisvolle Dickicht von Wäldern zeigen, so wie Guy Allott sie vorgefunden hat, sind die Bäume auf seinen Ölbildern mit animistischem Vergnügen in eigenartige Wesen verwandelt worden. Sie stehen angewurzelt in Landschaften, die in ihrer Dramatik an die Bilder der deutschen Romantik erinnern. Irritierend sind die riesigen Löcher in ihren Stämmen, die den Blick freigeben auf den Bildhintergrund. So entstehen Bilder im Bild und zugleich ein Spiel mit dem Motiv des Durchblicks oder Fensters, wie es sich in der Landschaftsmalerei seit der Renaissance entwickelt hat.

Die Konstruktion von Landschaft als kultureller Kategorie, die auch die Darstellungen in der Landschaftsmalerei seit jeher beeinflusst hat, wird hier mit einem Augenzwinkern ins Bild gesetzt. Die Dinge ändern sich und bleiben doch dieselben…

In Deutschland ist dies die erste instituionelle Einzelausstellung Allotts, der 2009 in der Ausstellung East End Academy in der Whitechapel Gallery in London teilgenommen und in den letzten Jahren international ausgestellt hat.

Gefördert durch das Land Niedersachsen

Heinrich Riebesehl // ÄCKER & HÄUSER

3. Septpember – 23. Oktober 2011

Riebesehl

Heinrich Riebesehl (*1938 in Lathen an der Ems; † 2010 in Hannover) hat die künstlerische Fotografie in Deutschland seit den 1970er Jahren maßgeblich geprägt. Als Fotograf, Dozent und Kurator trug er mit seinen, vorwiegend in Norddeutschland entstandenen, „lakonischen Fotografien einer lakonischen Gegend“ (Peter Sager) wesentlich zu einer Erneuerung der Dokumentarfotografie bei.

Die Motive seiner seit Mitte der siebziger Jahre entstandenen Serien „Agrarlandschaften,“ „Dorfansichten“ oder „Gewerbebauten“ fand er in Ortschaften wie Hodenhagen, Jeddingen oder Hanstedt. Riebesehl erweist sich darin als Entdecker einer spröden, oftmals melancholischen Schönheit des Banalen und Alltäglichen.

Für seine intensive fotografische Auseinandersetzung mit der Topografie der norddeutschen Kulturlandschaft wurde er u.a. 1982 mit dem Sprengel-Preis für Bildende Kunst der Niedersächsischen Sparkassenstiftung und dem Niedersächsischen Kunstpreis 2000 ausgezeichnet. Seine Werke sind in bedeutenden europäischen und amerikanischen Museen und Privatsammlungen vertreten.

Lucas Wahl — Kathmandu – city of kings

24. August – 10. Oktober 2010

Der angehende Fotojournalist Lucas Wahl, Gewinner des VGH-Fotopreises 2009, zeigt seine Bildreportage über das Leben der Nepalesen im einstigen Hippie-Mekka. Wahl gelingt es in seinen WErken, die unterschiedlichsten Facetten der Stadt einzufangen. Obwohl er den Blick auch auf die Brennpunkte Kathmandus legt, in dem er Armut, Überfüllung und Verschmutzung zeigt, gelingt es ihm den Charme und die Schönheit der Stadt un ihrer Bewohner zu transportieren. Die Bandbreite der eindrucksvollen Situationen wird durch das ungewöhnliche Panoramaformat der Aufnahmen noch verstärkt.

Ulu Braun — Fiebergärten

21. August – 10. Oktober 2010

Der Künstler Ulu Braun (*1976) gehört zu einer neuen Generation kritischer Romantiker, der existenzielle Themen intelligent mit den Mitteln moderner Ironie, Mystik und poetischer Überraschungseffekte umsetzt. Ein immer wiederkehrendes Thema seiner Filme und Collagen ist  die Anziehungs- und Abstoßungskraft  künstlicher Paradiese gleichermaßen.

Ulu Braun greift dafür auf vorgefundenes Material zurück, nutzt eigene Dokumentaraufnahmen, aber auch Bilder aus Fernsehsendungen und dem Internet. Aus diesen Vorlagen erstellt er einen Film, der ohne klassische Schnitte auskommt, sondern den Bildraum in einem langen Schwenk überblickt. Wie in futuristischen Gemälden stehen zeitlich nicht kohärente Elemente nebeneinander, die wie in dadaistischen Collagen auch in ihren Dimensionen nicht zueinander passen.  Dennoch rezipieren wir den langsamen Schwenk über die dargestellte Szenerie wie ein Landschaftsgemälde.

Sein jüngster Film, ATLANTIC GARDEN, der im Springhornhof Premiere haben wird, ist die Konstruktion einer Landschaft, welche unterschiedliche Aspekte von Traditionalismus und Globalisierung an einem Ort vereint. Ulu Braun zeigt uns eine idyllische Küstenregion in der die unterschiedlichsten Leute und Gruppierungen friedlich und im Einklang mit der Natur nebeneinander existieren. Tanzende Derwische, spirituelle Prediger, fröhliche Landkommunarden, beseelte Esoteriker, ökologisch motivierte Weltverbesserer und prachtvoll gewandete Akteure eines Mittelalterspektakels tummeln sich unter ewig blauem Himmel. Das Video verbindet Idyllen der westlichen Landschaftstradition und die Visionen diverser Heilsbringer zu einem Panorama, in dem das oft Gesehene poetisch wirkt und geheimnisvoll erscheint. In seiner Überhöhung und Potenzierung wird das gesellschaftliche Idyll zwiespältig. Es schleicht sich eine Ahnung von der Beschränktheit und dem unterschwelligen Machtansprüchen ein, mit der sich gesellschaftliche Utopien in ihr Gegenteil verkehren können.

Ulu Braun spielt inhaltlich und formal offen mit der Erzeugbarkeit von Landschaften einschließlich der vielen kleinen Geschichten, die sich darin abspielen. Damit reizt er nicht nur zu direkten Vergleichen einzelner Bildelemente mit bekannten Filmen oder Gemälden, sondern verarbeitet relativ respektlos auch gleich die allgemeine (kunst)historische Entdeckung der Landschaft als menschlicher Bezugspunkt durch Petrarca und Dürer, ihre Idealisierung durch Lorrain, die Feier ihrer sublimen Wirkung durch Friedrich, Goya und Turner, aber auch ihre surrealistische Überformung durch Dalí, Ernst und Tanguy. Möglich ist dies, weil es sich um eine künstliche, aber keine Phantasielandschaft handelt, die im Grunde nur aus dem immer verworrenen Nebeneinander von bewegten Bildern besteht, aus dem wir alltäglich in unserem Fernseh- oder Videokonsum via Internet ganz von alleine solche Landschaften zusammensetzen.

Bednarek/Brandes/Lindena/Müller — Nutz- und Ziergartenbau

6. Juni bis 15. August 2010

Dominik Bednarek / Hanna Brandes / Kalin Lindena / Alex Müller

…über den Nutz- und Ziergartenbau, über das Urnenfeld bei Brampton, das Anlegen künstlicher Hügel und Berge, die von den Propheten und heiligen Evangelisten erwähnten Pflanzen, die Insel Tinos, die altsächsische Sprache, die Antworten des delphischen Orakels, die von unserem Erlöser gegessenen Fische, die Gewohnheiten der Insekten, die Falknerei, einen Fall von Altersfreßsucht, die Erfindung der Zeit und das Zeitlose, über Clowns, Schiffsbauchlinien, die Interessen eines Hutmachers, das Verhalten von Stehaufmännchen, die Schönheit, Gesamtkunstwerke, Sachen tragen, siamesische Zwillinge, die Amore, Hände, die knoten und noch manch anderes mehr…

Die Künstlerin Kalin Lindena hat für die aktuelle Ausstellung im Kunstverein Springhornhof die Zusammenarbeit mit ihren Künstlerfreunden Hanna Brandes, Dominik Bednarek und Alex Müller gesucht, die mit ihr gemeinsam an der HfbK in Braunschweig studiert haben. Der schier endlos lange Titel deutet auf eine Ausstellung hin, die ihrem Wesen nach weitläufig und grenzenlos ist und deren Arbeiten eigentümliche und paradoxe Geschöpfe sind, die – konkret und abstrakt zugleich – sowohl spezifische, individuelle Gegenstände wie Teil eines Ganzen sind.

Eine Gemeinsamkeit der beteiligten Künstler ist dass sie die unterschiedlichsten Einflüsse aus Kunst und Alltag, Gegenwart und Kunstgeschichte in ihrer Kunst integrieren, verarbeiten und in eine neue Bildsprache überführen. Alle vier arbeiten auf die eine oder andere Weise mit Fundstücken, nutzen das Prinzip der Collage oder reagieren auf die vorgefundene Architektur.

So überlagert Kalin Lindena mit skulpturalen Interventionen Eigenes und Vorgefundenes indem sie Stützen und Unterzüge des Ausstellungsraumes mit vielen Lagen farbigen Seidenpapiers überzieht. Durch die Transparenz der Schichten erzielt sie eine malerische Wirkung, die eigenartige Widerspüche von Malerei und Bildträger produziert. Einige Partien wirken wie Rost oder verwittertes Holz, anderswo ergeben sich grafische Formationen, die sich nirgendwo in die Fläche entwickeln können, sondern um die Kanten der Pfosten herumgezogen werden.

Lindenas Werke sind geprägt durch ihre Offenheit und Prozesshaftigkeit und erreichen nie einen endgültigen Zustand. Ihre Wandarbeiten existieren häufig nur für die Dauer der jeweiligen Ausstellung, andererseits übernimmt Lindena Fragmente vorangegangener Ausstellungen in neue Zusammenhänge. So zum Beispiel die säulenartige Skulptur im oberen Ausstellungsraum, die an anderer Stelle unter einem Oberlichtfenster in den Himmel ragte. Hier, eingepasst unter dem Deckenbalken korrespondiert sie als Zwitterwesen von Skulptur und Säule – oder vielleicht sogar Wirbelsäule – mit den vorhandenen Holzbalken.

Die Giebelform des Daches findet sich wieder in der Form ihrer Skulptur aus Metall, buntem Glas und Spiegelflächen im selben Raum. Die Brechung des Lichts, die Transparenz des Glases, die Spiegelung der bunten Flächen sowie der Holzbalken des Raumes führen zu einem endlosen Vexierspiel.

Die Werke von Hanna Brandes scheinen kleine rätselhafte Geschichten zu erzählen. Etwa das ausgestopfte Rehkitz in seiner eigenartigen Travestie mit einer viel zu großen Clownsnase. Das hat etwas Groteskes, beinhaltet aber auch ein Moment von Strangulation. Stets beschleicht einem bei genauer Betrachtung von Brandes Objekten ein Gefühl leichten Ekels und Unbehagen. Ein heiteres Mondgesicht besteht aus einer schmutzigen Resopalplatte und ausgedrückter Zigarettenaschen. Ein kleiner Ball, entpuppt sich als Haarknäuel, ganz regelmässig geformt, mit einem Goldfaden, der sich durchs Haar zieht. Diese preziose Kugel erscheint als eine Art Verdichtung von Leben, Emotionen, menschlichem Dasein, Körperlichkeit, zwischenmenschlicher Beziehung. Sie ist poetisch und sehr persönlich, kann auch etwas abstinent wirken durch das sehr intime Material Menschenhaar: Es ist eine sehr kleine Skulptur, aber gleichzeitig eine sehr große Menge Haar, gepresst in eine vollendete geometrische Form.

Dominik Bednarek ist der Bootsbauer unter den vier Künstlern. Alle seine Arbeiten in dieser Ausstellung haben irgendetwas mit Schiffen oder der Seefahrt zu tun. Sei es als Kontur eines Schiffrumpfs aus Resten von Spanplatte, der wie ein Flügel aus der Wand des Ausstellungsraumes ragt; oder als Schiffsbug aus Pappe, der sich oberhalb der Treppe auf den Heraufkommenden zuschiebt. Es handelt sich um das Relikt einer Aktion des Künstlers, bei der er mit einem selbst gebauten Boot aus Pappe so lange über einen See gefahren ist, bis es durchweicht war und kenterte. Die Sammelstücke in einem Regal stammen aus den Jahren 1919 – 2010: gefundene und selbst gebaute Spielzeugschiffe aus Plastik oder Metall, Modelle von Schiffsrümpfen und Segelflugzeugen, ein Geduldsspiel von Matrosen usw.. Dominik Bednarek lehrt uns das kindliche Staunen über die skulpturale Schönheit von Schiffsbauchlinien, und aktiviert beim Betrachter die ganze Fülle persönlicher Erinnerungen an die kindliche Faszination an Schiffen.

Alex Müller ist eine leidenschaftliche Flohmarktgängerin. Ihren Objekten liegen Fundstücke zugrunde, die sie zu neuen Bedeutungsträgern macht. Ein Lampenschirm, der sich wortwörtlich aus einer Lampe und einem sonnengelben Schirm zusammensetzt, ist bestickt mit Worten, die alle die Endung OS tragen – wie Namen aus der Griechischen Mythologie – Es sind persönliche Bezeichnungen für Alex Müllers Geisteshelden. Personen die sie bewundert, deren Arbeit sie schätzt – Jaques Tati, die Sängerin Kate Bush, der Maler Goya etc. Indem sie ihnen Spitznamen gibt, verschleiert Müller ihre Identität und macht sie zum Teil des eigenen künstlerischen Kosmos. Und wir, als um Dechiffrierung bemühte Betrachter werden dazu angeregt, uns auf falsche Fährten zu begeben und Eigenes zu assoziieren.

Vorgefundenes ist auch der Ausgangspunkt von Müllers Malerei. Sie benutzt Stoffreste wie z.B. ein Stück grünen Samt, oder ein altes Frotteehandtuch, als Malgründe. Das Malen auf solchen Untergünden erfordert einen experimentierfreudigen Umgang mit den malerischen Techniken. Farbfluss und -wirkung variieren je nach Untergrund. Die Stoffe bearbeitet Alex Müller indem sie eine Struktur mit Stiften in einen Samt hineinkratzt, oder aber indem sie sie mit Tieren, eigentümlichen Zwitterwesen oder Brustbildern von Frauen bemalt. Bei den Frauenbildnissen handelt es sich nicht um Porträts existierender Personen; Alex Müller nennt sie alle „Hedda“ – „Hedda in Gedanken an Fritz“, „Hedda im neuen Kostüm“, „Eine kluge Hedda zeigt sich mit Hut“ – Diese Frauenbildnisse haben etwas eigenartig melancholisches, obwohl sie einen mit großen Augen anschauen wahren sie die Distanz, so als ob sie sich jederzeit wieder in der Stofflichkeit des Bildes auflösen könnten.

Die Kunstkritikerin Susanne Prinz schreibt in einem Text über die vier Künstler: „Allen gemeinsam ist der poetische Standpunkt, der nicht so sehr in Kategorien der Bildbedeutung denkt, sondern vielmehr uns – dem Publikum – gegenüber Ansprühe geltend macht, die adressiert werden wollen.

Die Künstler versorgen ihr Publikum mit Hinweisen, überlassen es aber letztlich ihm, die Bilder und Objekte mit einer kongruenten Geschichte zu ergänzen. Zwangsläufig werden sich die entstehenden individuellen literarischen Interpretationen des Visuellen unterscheiden. Egal jedoch, wie detailreich die Geschichten ausfallen, im Kern führen sie alle auf Nichtsichtbares zurück. Mit anderen Worten, sie erzählen vom unstillbaren Verlangen. Einer Art Sehnsucht, begründet im Abwesenden, die mit Freuds Unheimlichen verwandt scheint.“

Stefan Römer//Schlagbaum.Über die Grenzen von Natur und Kultur

11. April bis 24. Mai 2010

In einer Serie von Fotografien und Zeichnungen widmet sich der Künstler Stefan Römer der Untersuchung des Verhältnisses von Kultur und Natur. Seine Fotografien, auf ausgedehnten Wanderungen durch Landschaften in Australien, den Amerikas, Asien, Afrika und Europa entstanden sind, zeigen scheinbar alltägliche, doch sehr spezifische Situationen in der Natur: Verbotsschilder, Erläuterungstafeln, Wanderzeichen, Wegweiser etc.  Sowohl anhand der abgebildeten gestalteten Natur als auch anhand der Verbote oder Warnungen auf den Hinweisschildern, wird deutlich, wie problematisch eine visuelle Lokalisierung der Grenze zwischen Kultur und Natur ist.

Die verschieden großen Fotografien hat Römer in Rahmen mit Passepartouts eingelassen, auf die er von Hand florale Ornamente gezeichnet hat. Das Zusammentreffen der präzis geplanten Fotografien und den nachträglichen, eher beiläufigen Zeichnungen auf den Einfassungen der Fotografien erzeugt eine performative Spannung zwischen der mechanischen fotografischen Dokumentation und einem eher automatischen unbewussten (oder: delirierenden) Zeichnen.

Der amerikanische Künstler Robert Smithson entdeckte in den späten 1960er Jahren beim Fotografieren auf einer Mexiko-Reise, dass er sich vorkam, als fotografierte er stereotyp bereits existierende Fotografien – was er im Sinne der Postmoderne als eine Fotografie einer Fotografie bezeichnete. Heute herrscht vor allem angesichts der computersimulierten 3-D-Landschaftsdarstellungen – für die Dan Camerons Hollywood-Film »Avatar« ein zeitgenössisches Beispiel darstellt – eine nostalgische Vorstellung von ursprünglicher Natur als einem Gewesenen.

Für Stefan Römer jedoch gerät die Aktion in dieser künstlerischen und erkenntnistheoretischen Zwischenzone von Natur und Kultur – sowohl beim Wandern und Fotografieren als auch beim Zeichnen – zu einer künstlerischen Arbeit entlang der Trennlinie zwischen Erfahrung und Reflexion, zwischen Chaos und Form, zwischen Botanik und Anthropologie sowie zwischen Delirium und Kategorisierung.